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Mirada en movimiento / Germán Rondón (Gerova)

LA SOMBRA DE GERMÁN RONDÓN

El material sobre el que se levanta la obra de Germán Rondón, es visceralmente coherente con sus obsesiones. Su cerámica, que es una mutación inducida por el fuego, fue antes solo un poco de polvo y de agua. ¿Y antes del polvo que hubo? Nada. La angustia del no ser.Las figuraciones de Germán Rondón son escasamente nítidas. Inexactas. Seres perseguidos por su propia sombra. Durante décadas Germán Rondón ha avanzado por un valle escarpado buscando dar forma a su discurso. Y aquí está, por fin, en una muestra escultórica de urgente densidad.

Oswaldo Chanove (2017)[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#63858b» background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#63858b» icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]EL OTRO, SU SOMBRA Y YO

Quise desarrollar un proyecto que consistiría en observar en las calles la actitud de las personas que están esperando algo o alguien, y a medida que pasaba el tiempo me crecía una desesperación que pareció invadir primero el cerebro y luego el cuerpo.

Vi hombres agitando los brazos, hablando solos, vociferando o suplicando algún milagro. Vi mujeres conversando con el aire, sonriendo para sí mismas o dando órdenes a seres lejanos.

Cuando la desesperanza empezaba a hacerme creer que todo está fuera de control advertí, para mi bien, que aún en esos movimientos descontrolados había algo en común: cada persona tenía un acompañante permanente, infaltable, fiel, sumisamente fiel: ¡su sombra! Que iba repitiendo hasta el mínimo detalle todo lo que el cuerpo decidía.

Acabadas las opciones el último ser se fue cabizbajo y su sombra lo acompañó sin que él se percatara nunca de tan fiel compañera.

Una vez frente a mi mesa de taller, dibujé varios sujetos en diversas posiciones, y alargué sus sombras. Luego se me ocurrió construir el volumen de uno que permanecía refugiado en mi recuerdo. Cuando lo tuve, siguiendo un impulso corté en cartón la forma de su sombra y se la añadí para ver el efecto, y en ese instante mis manos, ante mi propio asombro, levantaron la sombra y la plegaron al cuerpo (una mariposa ardió en una fracción de segundo en la llama de una vela). Sentí que construía un nuevo ser, pero esta vez con la sombra in-corporada. Y noté ya con alivio que esa sombra y otras, estaban dispuestas a contarme historias insospechadas, como en un test Rorschach.

Entonces me fue dado ver que la sombra era yo mismo.

¿Qué es la sombra en nuestra mente?

¿La parte que no vemos de nosotros porque no queremos verla?

Supe. Descubrí que esa escultura que tenía en las manos sabía de mí más que yo de ella. El espejo no dio mi imagen sino una sombra, y cuando miraba a otras personas solo veía su sombra y no sus facciones.

Si soy mi propia sombra que ahora siento como parte de mi cuerpo vertical, ¿qué significa esto? Si las sombras están en cada uno de nosotros, ¿por qué no sospechar que cuando veo a otra persona estoy viéndome a mí mismo?

Advertí como se siente al pararse de puntas ante un muro que impide ver lo que hay detrás, pero por un instante, mientras tuve fuerzas para sostenerme, miré: El otro también soy yo, el otro me cuenta quien soy yo, y lo que hablo al otro lo digo a mi mismo; y lo que él me dice, en realidad habla de él mismo. “Yo soy el otro”, me lo dijo el poeta.

El espectador. Foto: Conrado Aguilar

He pasado mucho tiempo comprobando que el viejo principio “miras la paja en ojo ajeno y no el tronco que llevas en el tuyo”, no siempre se pone en práctica especialmente cuando se trata de uno mismo.

Continué trabajando en otras esculturas, e inesperadamente ocurrió algo más: las sombras adheridas a sus cuerpos empezaron a emitir luz y colores. Sentí por fin que las había escuchado. Y sentí un amor infinito frente a esas sombras con luz y color.

La arcilla, mi sombra, mi compañera fiel de toda la vida, me había hablado una vez más para ayudarme a entender qué somos, cómo somos, qué podemos ser.

Germán Rondón Valdivia

Gerova[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][vc_video link=»https://vimeo.com/167941364″ video_title=»1″][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0a0a» title=»Germán Rondón Valdivia» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0a0a» background_color=»#f7f7f7″]Tengo el convencimiento de que aunque haya hecho algunas exposiciones, en Perú y el extranjero, estas no han contribuido a que la belleza, la felicidad o el infortunio, no sean una obligación. Quizás por eso sigo extraño y solitario. Mi taller ha dejado de depender de la casa, he tenido que encementar los muebles, las ventanas van desapareciendo, las paredes han empezado a cambiar de posición, el techo gris se parece más al cielo nocturno, el espacio está invadido; aquí no hay objetos ajenos, ni personales, todos somos actores, todos nos movemos, unos flotan, otros caminan, otros se agitan, otros se expanden. . . Todos tenemos una sombra.[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4451,4452,4453,4454,4455,4456,4457,4458,4459,4460,4461,4463,4464,4465,4462,4444,4445,4446,4447,4448,4449,4450″ meta=»1″ fullscreen=»1″][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

FAU-UNSA: Historia y Proceso Académico / Marizela A. Alpaca Chávez

Después de los terremotos ocurridos en Arequipa en los años de 1958 y 1960, la ciudad atravesaba una etapa de reconstrucción, situación que impulsó la idea de formar arquitectos competentes que fueran conocedores del tema, y que no pudieran hacer distorsiones del legado arquitectónico de nuestro patrimonio construido. En tal medida, un 27 de enero de 1964, en sesión de Consejo Universitario, “…el Sr. Rector Alfredo Corzo Masías y con la asistencia de los consejeros y del Secretario General de la Universidad Dr. Manuel Zevallos Vera; por unanimidad se acordó la creación para el presente año de la Escuela de Arquitectura”(1).

De esta manera, la Escuela de Arquitectura inicia sus labores académicas en junio de 1964 con 14 estudiantes, en uno de los ambientes del Pabellón de la Cultura, ubicado en el Campus Universitario de la Av. Independencia; siendo designado como primer director de la Escuela el Arq. Alberto Aranzáenz Murillo; al siguiente año traslada su sede a los Claustros de San Agustín, concretamente en el actual Paraninfo de la Universidad. En sus inicios la Escuela de Arquitectura tuvo respaldo de la UNI, pero en 1966 adquiere independencia, y en 1967, se da el contrato de un grupo de arquitectos argentinos, contando nuestra Escuela con la presencia de Juan Molina y Vedia, Rodolfo Livingston y Blanca Fabricant de Molina, quienes permanecieron en la ciudad de Arequipa por el lapso de un año, marcando un cambio en el sistema pedagógico de la Escuela, con un enfoque más arquitectónico y dejando la visión ingenieril que se manejó en los tres años anteriores, mientras la escuela estuvo bajo la dependencia de la Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Artes de la UNI. A su partida, dejaron establecida una nueva currícula para la carrera que constituyó la primera reorganización académica de la Escuela. En l968 asume la dirección, en calidad de interino el Ing. José Vela Escobedo, quien aplicó el nuevo plan de estudios, con la instauración de jefaturas de cátedras en diferentes cursos. Ese mismo año, culmina sus estudios la 1° promoción teniendo como único estudiante egresado a Luis German Espinoza Salas.

En 1969, ante un nuevo dispositivo legal (2), la escuela se convierte en Programa Académico de Arquitectura, eligiéndose al Arq. Rene Uría Arrisueño como director del “Programa Académico de Arquitectura”. Ante tales cambios, en 1972, se establece una nueva reestructuración académica en la escuela, de donde emerge el “Documento Básico” (3) documento guía del cambio a una nueva formación profesional del arquitecto. Así mismo, se determinó la eliminación de los estudios generales lo que trajo como consecuencia un fuerte número de estudiantes, de 140 a 430. Otro hecho importante, es la aprobación en el año de 1973 de un presupuesto para la construcción del local del Programa de Arquitectura, cuyos estudios y proyecto se encomendaron a los estudiantes del 5° año, bajo la dirección del Arq. Edgardo Ramírez Chirinos, director del programa en ese momento.

El año de 1976 marca un cambio significativo del Programa Académico de Arquitectura y Urbanismo, con el traslado a su local propio, ubicado en el Campus Universitario de la Av. Venezuela. En 1977, a partir de un nuevo Plan de Desarrollo de la UNSA, el Programa Académico de Arquitectura y Urbanismo es declarado en reorganización; la formulación de un nuevo plan estuvo a cargo de los docentes: Arq. José Carpio Núñez, Arq. Fernando Málaga Gonzáles y el Bach. Delford Sarmiento Pinto, quiénes en 1978, presentan el Plan de Reorganización, donde se considera a la carrera dividida en tres ciclos: básico, medio y superior y los cursos específicos de la carrera, con el objetivo de enriquecer la visión de conjunto de la profesión, y que motivara positivamente el aprendizaje en términos de habilidad, aptitud y conocimiento. En esta medida, se establece como documento normativo el “Plan A”; en el 2010, Carpio comenta que “se planteó reorientar la formación y rol del arquitecto como un profesional comprometido con su medio, entorno social, económico y cultural, un profesional con un alto nivel técnico y político y conocedor de nuestra realidad” (4). Se considera además, el estudio de lo urbano como un aspecto importante y definir dentro del programa de estudios la formación de especialidades en respuesta a la cada vez más amplia diversificación de la práctica profesional, se mantienen los cursos de diseño como la columna vertebral de la formación del arquitecto, y se establece a la investigación como base y medio de la enseñanza y desarrollo de la disciplina (5). En 1979, se fusionan los Programas Académicos de Arquitectura y Urbanismo e Ingeniería Civil. Cuatro años más tarde -1983- se realiza el 1° Congreso de Estudiantes de Arquitectura del Perú, siendo organizado por los estudiantes del programa, de esta manera se marca el inicio de un evento que se realiza cada año, hasta la actualidad.

El año de 1984 significa el cambio al sistema de Facultad, y desde entonces, fueron asumiendo el cargo de decano los arquitectos: Alberto Rodríguez Murillo (1984), Edgardo Ramírez Chirinos (1987), Fernando Málaga Gonzáles (1990), José Carpio Núñez (1993), César Márquez-Mares Torres (1996), Fernando Málaga Gonzáles (1999); Ricardo Monroy Piazze (2002), Edgardo Ramírez Chirinos (2005), Juan Lauro Larico (2008), Hugo Muelle Váldez (2011), Josué Llanque Chana (2014), Adolfo Chacón Cornejo (2016) y a partir del 2017, Mauricio Huaco Zúñiga.

En esta constante búsqueda de una forma pedagógica que logre integrar teoría y práctica en la intervención urbano-arquitectónica como eje de la formación académica integrando docencia, investigación y proyección social, en 1986, se aprueba la constitución del Taller Integral Experimental (6); y es a partir de 1987, que se implementa en toda la estructura académica de la Facultad. En 1993, se elabora el Plan de Desarrollo 93-96, el cual enmarcaba como política principal, que los egresados estén habilitados para liderar, promover y generar trabajo. (7) A su vez, se crean los Talleres Básicos, desligando los dos primeros niveles de formación de la carrera de los Talleres Integrales. Se instala la Unidad de Informática; y desde 1995, se determina que los postulantes a la FAU, se sometan a una prueba de suficiencia, adicional a la prueba única de ingreso a la Universidad, la cual permita descubrir y evaluar sus las aptitudes y habilidades en relación a la carrera de arquitectura. En 1998 se instala la Unidad de Posgrado, con los estudios de Maestría en Planeamiento y Gestión Urbano Ambiental. En 1999, se hace una nueva reorganización académica en la facultad, creándose el taller superior, que desligaba los talleres integrales de los dos últimos niveles de formación de la carrera.

2004 – Estudiantes y docente de la Facultad en el Taller doble altura – actual Auditorio

En el 2005, se tiene la necesidad urgente de renovar y reorganizar la estructura académica y administrativa de forma tal, que se permita responder adecuadamente a las demandas de nuestro medio y a las cada vez más exigentes condiciones de un mundo globalizado. Desde entonces, la búsqueda de la acreditación de la FAU (8), se convierte en el marco dentro del cual el proceso de reestructuración académica e institucional debe desarrollarse. En el 2009, la Unidad de Posgrado apertura la Maestría en Gerencia de la Construcción y la Maestría en Renovación Urbana, actualmente se imparte el Doctorado en Arquitectura y Urbanismo y la Maestría en Planificación en Ordenamiento Territorial y Desarrollo urbano.

2005 – Vista exterior de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo

2006 – Vista exterior de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo

2009 – Vista exterior de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo

En el 2014 se estructura un nuevo plan de estudios, donde se establece “demostrar una gran capacidad de creación artística e innovación tecnológica aplicada al diseño arquitectónico y urbanístico; desarrollar en el estudiante una formación técnica, permitiéndole integrarse a equipos multidisciplinarios para la solución de los problemas del medio donde se desenvuelve; apoyar en la orientación del crecimiento nacional adecuado en el área de la arquitectura y urbanismo que contemple las implicancias sociales y un desarrollo científico y tecnológico” (9).

La aprobación de una nueva Ley universitaria en el 2014, conlleva a la reformulación de un nuevo plan de estudios, donde se fortalece la asignatura troncal de la carrera de arquitectura, que es el Taller de Diseño Arquitectónico, como estrategia pedagógica y eje de formación académica en la que se articulan e integran las competencias de las otras secciones académicas, enfocadas en la investigación, la reflexión, el desarrollo tecnológico, la creatividad e innovación y la responsabilidad socio-ambiental; se asumen competencias profesionales y laborales que distinguen el rol del arquitecto, en las que el estudiante ejercita y desarrolla la capacidad de crear proyectos urbano-arquitectónicos; de este modo va adquiriendo e integrando las competencias del Perfil del Egresado de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo planteadas en el nuevo Plan de Estudios 2017. (10)

2018 – Vista interior de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo

2018 – Los Talleres

2019 – Vista exterior de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo

La Facultad, desde su fundación, ha recibido la visita de arquitectos reconocidos a nivel nacional e internacional, como Enrique Ciriani, Alberto Saldarriaga, Henry Pease, Miguel Ángel Roca, entre otros; siendo la visita más celebre, la del ex-Presidente del Perú Arq. Fernando Belaunde Terry – en 1999. Actualmente, la facultad cuenta con una infraestructura física: aulas, talleres, auditorios, laboratorio de informática, cafetería y una biblioteca, que alberga una vasta y actualizada bibliografía, y un nuevo local, actualmente en proceso de construcción.

1999 – Arq. Fernando Belaunde Terry en su visita a nuestra Facultad, con personal administrativo

En este momento la Facultad debe enfrentar un compromiso con el futuro y con la sociedad, retomando sus potencialidades con una visión que la proyecta como una de las mejores Facultades de Arquitectura y Urbanismo del país.

EL TALLER INTEGRAL: GÉNESIS Y CONCEPTUALIZACIÓN.

La Facultad de Arquitectura y Urbanismo, en su constante misión de formar arquitectos, en el año de 1986 plantea transformar la pedagogía del Taller de Arquitectura, fundamentándose en una nueva concepción del proceso de enseñanza aprendizaje, instalándose el Taller Integral Experimental, entendiéndose a éste como “una forma pedagógica que busca integrar teoría y práctica en la intervención urbano-arquitectónica en toda su amplitud, privilegiando necesidades objetivas de nuestra realidad y las relaciones estrechas con los grupos y medio social, siendo por tanto, el eje de la formación académica en la cual se integran docencia, investigación y proyección social” (11). En otras palabras, se plantea desarrollar la formación del estudiante de arquitectura a partir de la praxis urbano-arquitectónica sobre problemáticas del contexto de la ciudad, donde se aplicarán y se orientarán todos los conocimientos y especialidades que recurrían académicamente en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo.

En el año 2011, Carpio indica que el Taller Integral fue conceptualizado como: un espacio académico de cambio en la enseñanza – aprendizaje del proyecto arquitectónico, buscaba ubicar al estudiante en el contexto de la problemática, del análisis, del diseño y de la expresión arquitectónica en condiciones tales, que permitiera la aplicación de sus conocimientos en la interpretación y solución de las necesidades físicas, la comprensión y dominio de la teoría arquitectónica y de su rol de sintetizador de las condiciones que confluyen a la creación del producto urbano arquitectónico, el dominio y uso de la metodología del análisis en el diseño urbano arquitectónico, que fuera sostenido por bases objetivas y científicas. Formulado en un significado de orientación por especialidades, esta metodología guiaba la integración del logro de las competencias necesarias para la formación de la disciplina, donde el estudiante desarrollará un proyecto que involucrará la fundamentación y explicación de todas las variables necesarias para el logro de un proyecto arquitectónico; como por ejemplo, objetivos en cuanto a contenidos: dar continuidad teórico-metodológica en los diferentes ciclos de formación: básico, medio y superior; ciclos que la estructura del plan de estudios consideraba en estos tres niveles.

Como se indica en el Documento Base del Taller Integral, “se contemplaba “promover niveles de investigación, adecuados y referidos a los problemas urbanos arquitectónicos de nuestra ciudad y región sujetos de intervención por el cuerpo de estudio y desarrollar estrategias que permitan el rescate de los valores histórico-culturales, así como la obtención de niveles de “oficio” adecuados a nuestra realidad”. En cuanto al desarrollo operativo se proponía promover el trabajo en equipo, generando una participación efectiva de los miembros del cuerpo de estudio para elevar los niveles de rendimiento del trabajo en el taller y fomentar la acumulación de experiencias y el dialogo permanente entre docentes a fin de mejorar las diferentes propuestas planteadas en los diferentes niveles del Taller Integral Experimental, incluyendo la participación docente de otras áreas y disciplinas. Es decir, que el trabajo en taller no se limitaría al ejercicio analítico del problema, el lugar y su posterior respuesta con el Diseño Arquitectónico, sino que el estudiante enfrentaba todo ese proceso con el asesoramiento y resolución de los aspectos que intervienen en la arquitectura; estamos hablando de: urbanismo, historia, acondicionamiento ambiental, materiales, sistemas constructivos, instalaciones, etc.

Carpio (2017) comenta que “El planteamiento del taller como eje estructurador de las demás asignaturas de un Plan de Estudios, nos indica que debe retroalimentarse ya sea directa o indirectamente de los contenidos de las demás asignaturas, con el asesoramiento de los especialistas adecuados y no limitarse a los profesionales con fuerte tendencia al diseño formal, funcional y/o ambiental” (12). En síntesis, un taller integral promueve el trabajo en equipo, genera una participación efectiva de los estudiantes para elevar sus niveles de rendimiento y apertura la participación docente de otras áreas y disciplinas.[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Referencias:» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]

1. Acta de Fundación de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, en Sesión de Consejo Universitario de 27 de Enero de 1964.

2. En 1969, a inicios del gobierno militar del General Juan Velasco Alvarado, se dio la ley 17437 denominada “Ley Orgánica de la Universidad Peruana”, que reemplazo a la Ley Universitaria de 1960 – la ley 13437. Este nuevo dispositivo introdujo transitoriamente importantes cambios en la institución universitaria. Entre los cambios se determinó la creación de Departamentos y Programas Académicos en reemplazo de las Facultades. Los Departamentos eran definidos como “núcleos operacionales de investigación, enseñanza y proyección social, que agrupan a disciplinas afines” y los Programas como entidades que surgen de “la estructuración curricular funcional de los diversos departamentos que se coordinan para realizar propósitos específicos de carácter formativo, académico o profesional.”

3. En 1972, una nueva Reforma Gubernamental, conlleva a la Universidad en una fuerte desorganización, el 30 de mayo se instala un Gobierno Tripartito, integrado por un estamento de docentes, estamento discente conformado por estudiantes y un estamento no docente, conformado por un administrativo; este Gobierno Tripartito estuvo bajo la dirección del Arq. Edgardo Ramírez Chirinos. Se establece una nueva reestructuración académica en la Escuela, de donde emerge el “Documento Básico”, documento guía del cambio a una nueva formación del profesional arquitecto.

4. Entrevista realizada al Arq. Jose Carpio Núñez, ex decano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, en enero, 2010.

5. CARPIO NÚÑEZ, J.; MÁLAGA GONZÁLES, F. & SARMIENTO PINTO, D. (1978); “Plan de Reorganización del Programa Académico de Arquitectura”; Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa.

6. La coordinación del “Taller Integral Experimental” estuvo a cargo de los arquitectos Edgardo Ramírez Chirinos y José Carpio Núñez.

7. Documento “Plan de Desarrollo FAU 93-96”, 11 de mayo de 1993.

8. La Facultad de Arquitectura y Urbanismo se encuentra en un proceso de reestructuración e implementación académica para ser evaluada por el SINEACE-Sistema Nacional de Evaluación, Acreditación y Certificación de la Calidad Educativa.

9. UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN AGUSTÍN DE AREQUIPA, FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO (2014); Documento del Plan de Estudios 2017, p. 22.

10. UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN AGUSTÍN DE AREQUIPA, FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO (2017); Documento del Plan de Estudios 2017, p.40

11. FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO-UNIVERSIDAD NACIONAL DE SAN AGUSTÍN; (1986) Documento “El Taller Integral”, p. 3 y 5.

12. Entrevista realizada al Arq. Jose Carpio Núñez, ex decano de la Facultad de Arquitectura y Urbanismo, en octubre, 2017.

Mies Missing Materiality / Anna & Eugeni Bach

Con esta sencilla acción, el Pabellón se convierte en una representación de sí mismo y abre la puerta a múltiples interpretaciones sobre aspectos como el valor del original, el papel de la superficie blanca como imagen de la modernidad, o la importancia de la materialidad en la percepción del espacio.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#63858b» background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#63858b» icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]El Pabellón alemán de Barcelona sobre el que actuamos es una reconstrucción; una réplica tan fidedigna del original, que a menudo cuesta recordar su verdadera naturaleza. Un edificio que debía ser temporal quedó inmortalizado en primera instancia por el relato escrito del movimiento moderno, y más adelante, por su propia reconstrucción.

Adrià Goula©

Convertir el Pabellón en una imagen de sí mismo, con todas sus superficies limitadas a un único material, pone en evidencia el papel representativo del edificio; tanto el del original, como símbolo nacional, como el de la réplica, en representación del primero. El Pabellón se convierte, durante un tiempo, en la maqueta a escala 1:1 de la réplica del pabellón temporal más longevo de la arquitectura moderna.

Adrià Goula©

Sustraer parte de la materialidad al Pabellón abre además otras interpretaciones ligadas a la historiografía de la arquitectura del siglo XX.

El Pabellón Alemán de Barcelona fue entronado como icono de la modernidad en la exposición “Modern Architecture” del Moma de Nueva York de 1932. En el catálogo de la exposición, varios edificios de arquitectos como el propio Mies van der Rohe, Le Corbusier, Neutra, Wright, Oud o Gropius, entre otros, son presentados a través de una selección de fotografías y escritos críticos en los que Philip Johnson y Henry Russell Hitchcock apuntan los criterios homogenizadores para poder aunar todas las obras bajo un mismo foco. Entre tales criterios, la superficie blanca, como emblema de una nueva arquitectura, aparece como uno de los más insistentes.

Adrià Goula©

Proveer al Pabellón alemán de Barcelona de esa blancura homogenizadora significa dotarlo de una de las características definitorias de la historiografía moderna -que no de la modernidad- aunque al mismo tiempo, signifique despojar al Pabellón de su materialidad, de su carácter único; aquél que precisamente lo erigió en icono del mismo movimiento moderno.

Adrià Goula©

La instalación convierte esta paradoja en vivencia. Permite al visitante plantearse éstas y más reflexiones a través de su propia experiencia en un Pabellón que, por unos días, pierde su rastro material para, así, asumir todo su potencial representativo y relacional. Nos permite reflexionar sobre aspectos tan transversales como el valor de la imperfección, en un pabellón alterado que se presenta pulcro e inmaculado el primer día, pero que muestra todos los rastros del deseo después de días de visitas. Refuerza la interpretación del Pabellón como templo del alma alemana, ahora sí blanco, aunque todavía desprovisto de sus ocho columnas en la fachada de acceso. Lo podemos comparar con la imagen de aquella maqueta hecha de telas blancas que supuestamente Mies realizó para la familia Kröller-Müller. Y entre otras reflexiones, nos muestra el poder de las juntas, ahora perfectamente visibles al desaparecer las texturas y reflejos que las ocultaban y que nos recuerdan a una de las perspectivas o collages tan característicos de Mies por el que ahora podemos pasear.

Adrià Goula©

Una instalación que, en definitiva, funciona como detonante para la reflexión.

Adrià Goula©[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Anna & Eugeni Bach» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]Es el equipo formado por los arquitectos Anna Bach (Nummi-Pusula, Finlandia, 1973) y Eugeni Bach (Barcelona, 1974). Con una visión amplia del campo que ofrece la arquitectura, sus intereses abarcan cuatro actividades principales:la Profesional, a través de proyectos de distintas escalas, tanto públicos como privados realizados en el estudio Anna & Eugeni Bach / Bach arquitectes; la Docencia, como profesores en la ETSAB UPC, la ETSALS URL, EINA UAB, y a través de conferencias y talleres en varias universidades europeas; la Investigación, como doctorandos en la universidad y mediante proyectos e instalaciones que trabajan sobre la percepción del espacio; y la Cultural, siendo activos en las juntas de distintas asociaciones que promueven los valores de la arquitectura hacia la sociedad, comisariando exposiciones y ciclos de conferencias, así como coeditando la revista-fanzine del colectivo Aproximacions.

Su trabajo ha sido expuesto en el Pabellón Español de La Bienal de Venecia 2016 (León de Oro), en Export, Museo ICO, Madrid, 2015; “Las afinidades electivas”, exposición monográfica sobre su estudio en el Colegio de Arquitectos de Barcelona, 2015 y Gerona, 2014; BAND, Wyzsza Szkola Techniczna, Katowice, Polonia, 2014; Galery Architektury, Brno y Kabinet Architektury, Ostrava, República Checa,2014; “Aproximacions”, COAC Barcelona, 2012; “Architecture Catalane 2004-2009 Portrait d´époque” en la Cité de l´Architecture et du Patrimoine, Paris 2009; Pabellón Español de la Bienal de Venecia 2000; Bo01 Parasite – The City of Small Things Copenhague, Rotterdam, Oslo, Londres 1999, HiCat Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, 1999, o en Eme3 Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, 1999; y sus obras han sido publicadas en múltiples revistas nacionales e internacionales como Domus, MARK Magazine, Arquitectura Viva, Interni, A10 o Quaderns, entre otras.

Entre sus reconocimientos, destacan la Selección y Finalistas en la XIV Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo 2018 y en la XIII Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo 2016, la Nominación a los Premios Mies van der Rohe 2015, Nominados al Iakov Chernikhov International Prize for Young Architects 2015, el Premio FAD Internacional 2014, Premios FAD de la Opinión en Interiorismo e Internacional 2014, Finalistas Premios FAD 2013, Finalistas Arquia-Próxima 2010, Premio FAD de la Opinión 2008, Finalistas en la X Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo 2009, Seleccionados en la VII Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo 2009 o el Premio AJAC jóvenes arquitectos 2004, entre otros.[/mpc_callout][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Anna & Eugeni Bach» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]

Anna Bach

Nummi, Finlandia, 1973.

Arquitecta por la Helsinki University of Technology, 2001.

Master en Teoría y Práctica del Proyecto de Arquitectura por la ETSAB, UPC, 2014.

Profesora PDI de Trabajo Final de Grado en EINA – Centro Universitario de Diseño y Arte de Barcelona, Universidad Autónoma de Bellaterra, Barcelona (2008 – actualidad).

Eugeni Bach

Barcelona, 1974.

Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, UPC, 1999 y Diploma de Estudios Avanzados, 2005.

Profesor de Proyectos en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, ETSAB, UPC (2015 – actualidad).

Profesor invitado en la Escuela de Arquitectura de Pamplona, Universidad de Navarra, 2018.

Profesor de Proyectos en la Escuela de Arquitectura La Salle, Universitat Ramon Llull, Barcelona (2005 – 2016).

[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4328,4327,4326,4325,4324,4323,4313,4314,4315,4316,4317,4318,4319,4320,4321,4322″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

METATEXTO / César Acurio

[vc_row height=»auto» css=».vc_custom_1525978012963{padding-top: 0px !important;}»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»2/3″][vc_custom_heading text=»Metatexto» font_container=»tag:h2|font_size:40px|text_align:left|color:%2363858b|line_height:40px» use_theme_fonts=»yes»][vc_custom_heading text=»César Acurio – Arquitecto – Perú» font_container=»tag:h4|font_size:14px|text_align:left|color:%2363858b|line_height:16px» use_theme_fonts=»yes»][vc_column_text]Recorrer el pasillo de un edificio atravesando claro oscuros en ritmos que nos hacen recordar métricas de una pieza musical; rescatar del pasado el recuerdo de las sensaciones de un viaje para actualizarlo en el patio de nuestro nuevo proyecto arquitectónico, ya que solo ese momento puede explicar la estructura del espacio que relaciona en su justa medida el dentro y el fuera; correr a la izquierda la teoría de la arquitectura para descubrir un nexo entre lo real y lo no tan real de la materia de un edificio, ejercicio intimo con el que traer a la superficie la naturaleza y el tiempo del habitar de un espacio; da cuenta de las veces en las cuales nuestro conocimiento teórico no nos ha alcanzado.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#63858b» background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#63858b» icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][vc_column_text]Conducirnos únicamente en las instancias que la teoría nos brinda no es suficiente para emocionar. ¿Cómo explicar esa tensión que se va configurando en croquis, borradores, textos y demás recursos? ¿Existe alguna posibilidad de poner en evidencia estos recursos con los cuales vamos cuajando un proyecto de arquitectura? ¿Qué significan estas piezas guiadas por la inconciencia en relación con la teoría arquitectónica? ¿Cómo se manifiestan en lo real de un edificio?

Gerard Genette, escritor y teórico literario, creador de la narratología y relacionado al estructuralismo, define cinco transcendencias textuales, y a la tercera le da el nombre de metatexto y la define como: “…la relación -generalmente denominada «comentario» que une un texto a otro texto que habla de él sin citarlo (convocarlo), e incluso, en el límite, sin nombrarlo. La meta textualidad es por excelencia la relación crítica.”(1). Si estiramos este concepto, que Genette define como la trascendencia textual en la que dos textos (no necesariamente relacionados) se ponen en relación colaborando en el sentido de la narración, y lo actualizamos a los fines del proyecto arquitectónico, veríamos que la arquitectura también se narra y no sólo se describe.

Hay fuerzas que dirigen nuestras decisiones y no pasan únicamente por la habilidad de interpretar una norma o ley. Están ahí cuando las necesitamos, se actualizan a medida que vamos tejiendo la teoría con la geometría o enseñando en el taller de diseño, narrando la anécdota que pone en relación dos ideas o cuando hablamos del pasillo de un edificio que atravesamos y percibimos claro oscuros en ritmos que nos hacen recordar métricas de una pieza musical.

En este número de RADAR, indagamos acerca de las posibilidades del metatexto como componente implícito que pone a prueba nuestras decisiones en cada paso; de lo que pensamos al inicio, durante y al final de un proyecto, incluso en la experiencia real del espacio arquitectónico.

Arq. César Acurio López[/vc_column_text][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Referencias» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]1. Genette, Gérard (1989). Palimpsestos: la literatura en segundo grado. Taurus. p. 13[/mpc_callout][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4270″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

Desvelamiento de una casona arequipeña / Gonzalo Trillo

El último uso que tuvo, antes de ser adquirida por los actuales propietarios, fue de academia pre universitaria, luego permaneció parcialmente en abandono y solo estuvo ocupada, en parte, por un carpintero, el resto se había convertido en un palomar.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#d2e2a7″ background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#d2e2a7″ icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]El hecho de tener un monumento abandonado fue creando en los propietarios una sensación de nostalgia y una necesidad de restaurarla, aún sin tener claro para qué iba a funcionar.

Luego de visitarla varias veces, tanto en compañía como en solitario, uno va pensando qué es lo mejor que podría suceder en estos espacios que nos transportan a otras épocas por ser un pedazo vivo de nuestra historia. Cómo pueden ser participes de la actualidad sin quedar nuevamente en deterioro, ya sea por un mal uso de los ambientes o por el abandono mismo. Considerando la ubicación, tamaño y características de sus espacios, surge la idea de desarrollar un proyecto para que la casona se convierta en un lugar de encuentro cargado de identidad, donde coexistan actividades gastronómicas, culturales y turísticas.

Imagen 01. Luz sobre muros de sillar.

Al recorrer una casona, uno queda inmediatamente sobrecogido por la carga emotiva que tienen estos espacios. El tiempo trancurrido se percibe en su deterioro, la pátina que le brinda la exposición a la intemperie, la inevitable presencia humana, reconocible en el desgaste de sus superficies y en la transformación de sus espacios, la lluvia que junto a la suciedad ennegrece y añeja su imagen, los temblores que dejan fisuras y ocasionan desprendimientos, restos de mobiliario, y el hecho de no encontrar a nadie donde alguna vez hubo mucha gente, crea una atmosfera melancólica y misteriosa, donde los espacios configurados por sus gruesos muros y bóvedas, se vuelven protagonistas.

La proporción y escala de sus espacios, el sillar (1) -en el formato colonial de 40 x 40- como materia predominante, de textura rugosa, manufactura artesanal y rudimentaria, los muros de cajón (2), de sección corpulenta, junto a otros muros de aparejos más sencillos, la existencia de distintos materiales y sistemas constructivos empleados en sus cubiertas, como las bóvedas de ladrillo y las de sillar, los techos horizontales de rieles con sillar, los cielorasos de madera decorada, y algunos techos de concreto armado más recientes, junto a vestigios de color en sus revestimientos, se convierten en guías que van relatando las distintas épocas de la casa y van revelando las claves de su belleza.

La liberación de las construcciones añadidas, sin respeto por las cualidades patrimoniales de la casona, permite recuperar sensaciones relacionadas a la cualidad táctil de los materiales, que se percibe al verlos y se refuerza al tocarlos; y va creando atmósferas austeras y simples que de manera indescriptible, diluyen la melancolía para dar paso a una sensación de satisfacción y tranquilidad.

Imagen 02. Pasaje al segundo patio – Iluminación.

Lo intrincado de su recorrido forma un laberinto que confunde y revela un tipo diferente de casona, dejando de lado la relación tradicional entre zaguán y patio, donde aparece un corredor alto, casi a doble altura, que remata en una escalerilla de sillar. El cambio súbito a un pequeño chiflón (3) ancho y de bóveda rebajada lleva por un lado hacia un callejón con escasa iluminación, con ambientes indefinidos, igualmente oscuros, y por el otro, a un callejón abierto al cielo que conduce a un patio de servicio de extrañas proporciones.

Oculta, entre muros y ampliaciones, que seguro fueron necesarias en algún momento, se encuentra la mayor experiencia sensorial de la casa: El desvelamiento de dos patios originales que llenan la casona de luz, donde aparece el comedor de verano (4), ambiente fresco y calmo, que con su arcada, reconfigura uno de los patios; desde ellos, guardando distancia hacia sus muros, uno se detiene y contempla, percibe la belleza de sus proporciones, levanta la vista y encuentra el perfil de las bóvedas y campanarios, el cielo abierto, el histórico paisaje urbano; es así que se completa la experiencia. Desde los patios se puede vivir el aislamiento sereno que te transporta a un estado reflexivo, alejado del bullicio de la ciudad, con un cielo que va cambiando de tonos y un sol que va dibujando sombras que se mueven y permiten reconocer el paso del tiempo. Al muro le faltaba la luz para exponer su materia y cobrar vida, a los ambientes les faltaba luminosidad y contacto con sus patios para alcanzar en ellos un estado de serenidad.

Imagen 03. Perfil del templo de San Agustín desde el segundo patio.

Es en esta sucesión de espacios donde se reconocen las distintas épocas que en la casona habitan y se contempla la pureza del material convertido en muro, donde la luz acentúa, con su presencia, una arquitectura sencilla y sin ornamentos. Basta esta condición para destacar de manera sutil la naturaleza de la materia, aprovechando el muro de la iglesia de aproximadamente quince metros de altura, dejando que la luz cenital entre mediante una ranura en la losa superior. El rayo de sol que ingresa como un velo y pinta de luz y sombra la textura del muro, crea un acontecimiento indescriptible. Esta sencilla intervención genera algo que conmueve y proporciona una atmósfera mística.

Imagen 04. Luz cenital en pasaje de ingreso.

El resto de operaciones consistieron en pintar rincones y muros con el color de los vestigios encontrados, que hacen más agradable la estancia en los patios, excepto en el patio del fondo, que sin tener que recurrir al uso del color, fue la luz, que filtrada a través de una pérgola, permitió que los muros se impregnen de luz y aparezcan las sombras.

Imagen 05. Primer patio y propuesta virtual de espejo de agua en cobre.

[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]

Pieza de sillería utilizada en la construcción en épocas de colonia y republica, proveniente de canteras locales de ignimbrita, y formada por la compactación de cenizas volcánicas.
Técnica constructiva local, consistente en levantar dos muros de sillería paralelos con un alma central de argamasa de cal y piedra de río.
Pasaje angosto y techado, que hace referencia a la corriente de aire que se genera en él, al conectar dos espacios abiertos mayores.
Ambiente techado intermedio entre el patio y los salones de una casona, formado por una arcada abierta al patio, que comúnmente se utilizaba en meses calurosos como área de estancia y comedor.

Gerencia la empresa GT Arquitectura y diseño EIRL. especializada en el diseño y administración de proyectos, ejerce la docencia universitaria en las áreas de teoría y práctica de taller diseño arquitectónico en la Universidad Católica de Santa María de Arequipa.[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4217,4221,4222,4231,4223,4228,4229,4230,4225″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

Atmósferas / Luis Asín

“No es la puerta blanca lo que llama mi atención, es la ligera y desdibujada sombra de la rama de un chopo invernal mecida por la brisa que baila sobre la puerta lo que me emociona. Esa sombra que molestaría al fotógrafo de arquitectura es lo que precisamente a mí me tiene fascinado, una pequeña actuación de la naturaleza que otorga calidez y vida al espacio creado por el ser humano.”

Radar presenta una serie de imágenes y un escrito de Luis Asín que nos conducen a un ámbito plenamente sensorial.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#d2e2a7″ background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#d2e2a7″ icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]

Recuerdo viajar con mi automóvil por una carretera secundaria de Castilla la Vieja. Comenzó a llover de una manera torrencial y pude observar cómo el paisaje de la carretera con unos árboles al fondo empezaba a desdibujarse entre el agua del parabrisas. Instintivamente, cogí la Leica del asiento del conductor y tomé una única fotografía (foto 01).

Imagen 01. Carretera lluvia. Salamanca 2003.

El hecho de ir conduciendo y tener poca visibilidad hizo que no prestara atención al foco ni a la exposición. Sencillamente apreté el disparador y proseguí la marcha con precaución dada la escasa visibilidad. Me olvidé del asunto. Tantos paisajes neutros que se cruzan en nuestro camino… Al cabo de unos días, al revelar el rollo de película TriX, esa imagen llamó poderosamente mi atención. Miré el negativo con lupa y decidí hacer una copia. Al ver el resultado, pude comprobar que había sido inconscientemente capaz de captar un paisaje más cercano a lo emocional, a lo sensible, y distanciado de lo sesudo y técnico. Ligeramente sobreexpuesta y desenfocada, sentí que esa fotografía se adentraba en un terreno más propio de otras disciplinas, como pueden ser la pintura, la música o, tal vez, la literatura. Obviamente, en la fotografía de arquitectura prima la descripción sobre la interpretación. Los proyectos se publican con la intención de ser enseñados, divulgados y conocidos por quienes no pueden verlo in situ. Cobran importancia pues, la perfecta composición, exposición y foco. Suficiente para notar la textura de los materiales, la calidez de determinadas maderas. Además, la paciencia para esperar un momento de luz que resalte el volumen en el espacio. El diafragma cerrado para una mayor profundidad de campo y el trípode bien asentado para exposiciones largas. Con la experiencia se logra un estilo, alabado por arquitectos y editores de revistas. El espacio estudiado, como si se tratara de una disección, incluso “teatralizado”, añadiendo o moviendo algún objeto o mueble. A pesar de la aparente perfección, hay algo que no funciona, una especie de orfandad del alma del lugar. Una representación plana y superficial donde podemos verlo todo nítidamente, pero desde una distancia fría que nos impide sentir la vibración de ese espacio, el calor de determinado rayo de luz, el aire cargado de sal que nos acaricia y trae el fragor de las olas del agitado mar que vislumbramos a través del ojo de buey (foto 02).

Imagen 02. Casas gemelas. Cádiz 2011. Obra de los arquitectos Mansilla y Tuñón. Dos casas casi idénticas para dos hermanos gemelos, Vicente y Luis Moreno Mansilla (autor del proyecto y fallecido en 2012).

El espacio no solo hay que verlo, hay que vivirlo, sentirlo, tocarlo y atravesarlo. Lentamente, a tientas, para saborear su luz y su penumbra y, así, descubrir la espiral de sus secretas emociones dispuestas a hacernos caer en el ensueño, desde donde todo se torna casi irreal, onírico e irrepetible.

Luis Asín, marzo 2019[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Luis Asín» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]Nace en Madrid en 1962. Estudia derecho en la universidad, abandonando en el 4to año. Se desplaza a California a estudiar Bellas Artes, obteniendo la licenciatura en San Francisco Art Institute (1992). Desde entonces vive y trabaja en su ciudad natal, Madrid. Ejerció de profesor asociado en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca desde 1998 hasta 2003. Colabora con numerosos estudios de arquitectura, de manera habitual con Mansilla y Tuñón Arquitectos, documentando todas sus obras desde el inicio. Otros arquitectos con los que ha colaborado son Paredes y Pedrosa, Moneo, Ábalos y Herreros, Joaquín Vaquero Palacios, Norman Foster, etc. También colabora con artistas como Cristina Iglesias y con galerías de arte como Heinrich Ehrhardt y Elba Benítez. Aparte de la arquitectura, está interesado en otros aspectos de la fotografía como el retrato, el paisaje y la fotografía personal. En ella ahonda en el lado más subjetivo e intimista del espacio.

Es artista de la galería Espacio Valverde, donde ha presentado diversas exposiciones individuales, como “Desenlace” (2010,) “A tientas” (2012), “Entretanto” (2015) y “En concreto” (2018). Aparte de numerosas exposiciones colectivas, entre su principales publicaciones en libros caben destacar, el número 9 de la Colección de fotógrafos madrileños del siglo XX Caja Madrid (1999), antología sus primeros años en blanco y negro analógico, ALFABETAASÍN -un alfabeto fotográfico- editorial La Oficina (2018), La belleza de lo descomunal – documentación de la obra Hidroeléctrica de Vaquero Palacios en Asturias- Museo ICO (2018), Everstill / siempretodavía, un proyecto comisariado por Hans Ullrich Obrist con intervención de artistas contemporáneos en la casa natal de Federico García Lorca, en Granada (2008).[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4191,4192,4193,4194,4195,4196,4197,4198,4199,4200″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

55 ciudades [in]visibles / Karina Puente

Dicho proyecto nace de la pasión por las ciudades, el dibujo y la libertad que este medio ofrece para la autoexpresión y para la creación de atmósferas en un mundo imaginario que se va traduciendo en imágenes visuales. También es un medio para expresar una forma particular de percibir el mundo, de evidenciar la forma en la que se le mira y entiende ya que al tratar de descifrar el relato de Calvino se acaba construyendo uno propio. Todas las decisiones sobre cómo representar gráficamente cada relato están intrínsecamente ligadas a una mirada personal.

Además, es un proyecto que nace del placer de crear, de deleitarse uno mismo para deleitar al otro. Compartir el disfrute de las ciudades y todo lo que ellas contienen más allá de solamente su forma; a través de su experiencia, sus olores, sus habitantes, y todo lo que la constituye.

A continuación Radar presenta un extracto de una entrevista realizada por Pratiti Ganatra a Karina Puente para la revista digital Kindle Magazine acerca del proyecto mencionado, publicada en mayo de 2016 y traducida por la ilustradora[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#d2e2a7″ background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#d2e2a7″ icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]Pratiti Ganatra: ¿Cómo conociste Las Ciudades Invisibles de Ítalo Calvino y decidiste que querías trabajar en la ilustración de las ciudades escritas en el libro? Cuéntanos un poco sobre este proyecto en detalle.

Karina Puente: Es una larga historia, pero haré todo lo posible para que sea breve. Leí el libro cuando estaba en la universidad (estudiaba arquitectura), realmente no lo entendí mucho y no me conecté con lo que estaba leyendo en ese momento. Solo sabía que era un libro sobre el que los arquitectos hablaban apasionadamente.

Era una buena estudiante, pero siempre esperaba poder dibujar mejor. Recuerdo que otros estudiantes podían dibujar increíblemente bien (esto era cuando todavía teníamos que dibujar muchos de nuestros proyectos a mano) y siempre pensé que no era lo suficientemente buena o que la manera en que dibujaba no era adecuada para la academia. Siempre he tenido este tipo de forma infantil de representar las cosas.

Finalmente, me gradué y comencé a trabajar en una firma de arquitectura, me convertí en profesora de diseño y estudié una maestría en Bienes Raíces, lo que, por cierto, pensaba era lo mejor para mí en ese momento.

Nueve años después … (2013) hice un gran cambio. Llevaba mucho tiempo trabajando como arquitecto, una tarea difícil en mi país y estaba cansada de diseñar edificios residenciales entre paredes divisorias para empresas de bienes raíces y casas en la playa. Quería opinar sobre las cosas que definían la ciudad en lugar de hacer solo lo que podía, así que renuncié al sector privado y me uní al sector público. Quería lograr cambios. En ese momento, el Ayuntamiento de Lima estaba organizando un equipo de arquitectos y urbanistas para trabajar en el plan urbano de nuestra ciudad hacia el 2035 y aproveché la oportunidad. Fue una experiencia increíble pero realmente abrumadora también. Tuvimos que trabajar muy duro y rápido porque las elecciones estaban cerca y no teníamos más tiempo. Además, mi esposo acababa de irse a estudiar un MBA que duraba dos años, lo cual fue un paso muy importante para nosotros, pero también muy triste ya que recientemente me había convertido en madre. Creo que todo eso me hizo buscar algo en lo que ocupar mi mente y no pensar demasiado. En realidad, creo que cuando no piensas tanto en algo, las cosas vienen naturalmente. Así que comencé a jugar, dibujar, pintar y hacer todo tipo de tareas artísticas solo para divertirme con mi hijo en casa. Pintamos en papeles grandes, probamos diferentes materiales, construimos ciudades enteras en cartón e íbamos a museos todo el tiempo. Creo que eso encendió mi imaginación nuevamente en la dirección del arte.

¡Entonces! Un día me senté y dibujé una ciudad muy pequeña que llamé «La ciudad debajo de la ciudad». Mostraba un barrio bajo en la cima de un cerro (con todos los problemas que tienen los barrios emergentes) y una ciudad imaginaria debajo con espacios públicos, vegetación, agua, actividades culturales, arte y color. Un contraste evidente en la calidad de vida. Había visto tanto cuando analizábamos los problemas de nuestra ciudad que me había abrumado. Solo sentí la necesidad de dibujar algo. Afortunadamente, me gustó mucho el dibujo y en ese momento recordé el libro de Calvino. Eso es lo que impulsó el proyecto. Decidí ilustrar su libro para que mi hijo lo entendiera y realmente solo por diversión, porque lo disfrutaba.

Al principio tuve que buscar en google su libro porque no lo encontraba en ningún lugar aquí en Lima, hasta que un amigo que vio los dibujos que había hecho me regaló el suyo. Así que ahora, trabajo con un libro que tiene un propietario anterior.

Se podría decir que ahora soy una arquitecta que dibuja. Trabajo como urbanista de día y como artista de noche. Ilustro hasta la mañana a veces. Creo que soy una de esas personas que quería ser artista, pero en cambio se convirtió en arquitecta. Aun así, no cambiaría mi elección de carrera ahora.

PG: ¿Las áreas urbanas / ciudades siempre han sido algo que te ha fascinado?

KP: ¡Sí! Soy hija de un diplomático, así que he vivido en ciudades toda mi vida. Cuando tenía un año, nos mudamos a Helsinki, cuatro años más tarde a Wellington y desde entonces he vivido en Lima de manera intermitente, en Guatemala y en Caracas. Además, mi padre solía viajar mucho y cada vez que lo hacía, tenía que traerme un libro de la ciudad o el país que había visitado. Fue a Beijing, Singapur, Washington, etc. Siempre me contó sus experiencias en cada ciudad. Mi madre siempre me relataba la historia del momento en que fueron por primera vez a Nueva York conmigo en la barriga. Me encantan las ciudades; leo y enseño sobre ellas y también las dibujo.

Hay algo absolutamente sorprendente y fascinante sobre las ciudades, y más aún sobre las metrópolis y las megalópolis. Estoy interesada en todas ellas, pequeñas, enormes, históricas, creativas, problemáticas o cosmopolitas. Cada una tiene algo que vale la pena admirar.

Una de las cosas que me interesa profundamente es el poderoso intercambio de conocimiento que ocurre en las ciudades y el intercambio sociocultural múltiple y diverso que presenciamos. Cuanto más agitada es una ciudad, más me interesa. Hay algo mágico acerca de las personas viviendo juntas en urbes.

PG: Calvino dice en el libro: «con las ciudades, es como con los sueños: todo lo imaginable se puede soñar, pero incluso el sueño más inesperado es un rebus que oculta un deseo o, al revés, un miedo». Las ciudades, como los sueños, están hechas de deseos y miedos, incluso si el hilo de su discurso es secreto, sus reglas son absurdas, sus perspectivas son engañosas y todo oculta algo más «. ¿Cómo te imaginas estos sueños y temores mientras estás tratando de ilustrarlos? Describe un poco el proceso.

KP: ¡Los sueños, miedos y deseos son conceptos muy poderosos! Intento dejar su interpretación abierta para que el espectador los sienta cuando los ilustro. Cada uno de estos conceptos se representan (si están presentes) con diferentes estrategias. Tal vez podría contarles cómo decidí hacer Anastasia, la ciudad que forma parte del capítulo Las Ciudades y el Deseo.

Anastasia es una ciudad de engaño. Calvino habla de cómo crees que eres feliz viviendo dentro de ella, pero en realidad no lo eres; sobre esa dualidad. Así que representé una ciudad encima de otra ciudad. La ciudad que está arriba es una ciudad feliz, con cometas y calles elevadas, mientras que abajo hay una ciudad minera, sin luz, donde tienes que trabajar todo el día y estás atrapado. En este caso, los sueños y los deseos se representan en la parte superior, cerca del cielo y el miedo se representa bajo tierra.

Imagen 01 – Anastasia

“La ciudad se te presenta como un todo donde no se pierde ningún deseo y del cual eres parte, y como disfruta de todo lo que no disfrutas, no puedes hacer nada más que habitar este deseo y estar contento. Tal es el poder, a veces llamado maligno, a veces benigno, que Anastasia, la ciudad traicionera, posee; Si durante ocho horas al día trabajas como cortador de ágata, ónix, crisoprasa, tu trabajo que da forma al deseo toma del deseo su forma, y crees que estás disfrutando de Anastasia completamente cuando solo eres su esclavo”. (Calvino, 1972)

PG: Rebecca Solnit en Wanderlust: A History Of Walking dice que «una ciudad siempre contiene más de lo que cualquier habitante puede saber, y una gran ciudad siempre hace que lo desconocido y lo posible estimule a la imaginación». Así que cuando estás leyendo a Calvino, ¿tienes la sensación de que la ciudad que estás a punto de ilustrar tiene elementos desconocidos? Quiero decir, ¿hay fragmentos en la ilustración, que son puramente de tu imaginación y no en el texto?

KP: Todo el tiempo. Creo que ilustrar el libro de Ítalo Calvino es solo una excusa para dibujar sobre lo que tengo en mente. La relación entre la imaginación del hacedor de imágenes en contraste con las palabras del autor es muy compleja y nunca se repite exactamente igual. Cuando leo sus palabras, mi mente simplemente divaga en formas y detalles que provienen de mis propias experiencias. Lo que me motiva es dar forma tangible a lo que solo existía en la mente de Calvino al escribir -formas que nunca conoceremos-.

Me gusta leer más allá de las palabras para que el espectador pueda leer más allá de la ilustración. Tiene un poco de misterio todo el proceso. Aunque a algunas personas no les gusta el hecho de que yo le doy forma a sus «ciudades invisibles», principalmente porque las contamino con mis propios puntos de vista, pero es un proyecto personal, así que no le doy tanta importancia. No es un trabajo académico.

Cuando leo la descripción de cada una de las ciudades, las ideas no vienen tan rápido. Tengo que digerir el contenido primero. Lo leo varias veces y dejo que las palabras se dispersen en mi mente durante unos días o cuánto tiempo me lleva sentirme urgida a sentarme y dibujar. A veces es una semana, a veces más. Un proceso subconsciente continúa sin que yo lo controle. Las mejores ilustraciones han salido así.

Con Isidora, por ejemplo, un día publiqué el dibujo que hice de ella en la web y me dijo un amigo mío: ¡Oye, allí veo la plaza! Calvino habla de una mujer sentada en una plaza. No había dibujado una plaza, pero la estructura de la ciudad había dejado los bordes del papel en negro y el centro en blanco. Este fue para él la representación de la plaza. Me encantó ver los efectos del proceso subconsciente. Finalmente, la plaza estaba allí, así no la haya dibujado intencionalmente.

Imagen 02 – Isidora

No me había dado cuenta, pero también tiendo a dibujar algo fuera del texto original a propósito, dependiendo de lo que esté sucediendo en el momento en que estoy trabajando. Después de leer esta pregunta y pensar un poco más, me di cuenta. Por ejemplo, en la ciudad de Zirma está nevando porque la hice cerca del día de Navidad; Maurilia tiene una luna llena justo en el centro porque ese día había una hermosa luna llena en Lima y ¡podía verla a través de la niebla! Aun así, me encanta que las ilustraciones sugieran cosas diferentes para cada espectador y que las interpretaciones cambien a medida que el espectador cambie.

Imagen 03 – Zirma

PG: Cuéntanos un poco acerca de los diferentes materiales y técnicas que utilizas para estas piezas.

KP: Uso técnicas mixtas y de collage, pero principalmente hago dibujos en tinta sobre papel que luego recorto con una cuchilla y pego sobre otros papeles (en capas). También utilizo marcadores de pintura acrílica. Creo que la técnica viene de hacer maquetas de arquitectura (algo que siempre me ha gustado hacer). No puedo dibujar en un papel en una sola capa; siempre empiezo con un recorte que estructura toda la pieza y luego dibujo alrededor de ella.

Imagen 04 – Ipazia

PG: P.D Smith escribió: “Pero las ciudades ideales son en gran medida el producto de su propio tiempo. Diseñadas como declaraciones urbanas completas, llevan la huella inconfundible de su propia cultura y cosmovisión en cada calle y edificio. Y, sin embargo, para tener éxito, una ciudad tiene que estar abierta al desarrollo continuo, libre para evolucionar y crecer con las demandas de los nuevos tiempos. Al igual que los relatos de ciencia ficción del futuro, las ciudades ideales se vuelven obsoletas rápidamente». ¿Crees en esta idea de una ciudad ideal? Y si es así, ¿qué aspecto tendría si lo ilustraras / visualizaras?

KP: Creo que las ciudades deberían estar abiertas al desarrollo continuo y reinventarse a lo largo de su vida, pero al mismo tiempo deben ser fieles a su propia esencia. Más aún si son ciudades con atributos culturales o históricos. Aunque, no estoy a favor de generar ciudades museo. Eso en realidad mata su espíritu y las deja obsoletas. Una ciudad definitivamente no es un museo.

Creo que hay varias ciudades que se reinventaron, como Nueva York o Bilbao, pero que mantuvieron vivo su espíritu. Otros no han tenido la misma suerte, como Detroit para nombrar uno.

¿Cómo sería una ciudad ideal para mí?

Creo que mi ciudad ideal estaría llena de espacios públicos, museos, tiendas frente a grandes senderos peatonales, edificios altos que contrastan con los bajos conectados por cables y tranvías; habría gente volando en globos y parapente; arte urbano por todas partes, cafés llenos de gente, tiendas de antigüedades, pequeños mercados que explotan con mercadería. Muchos monumentos cuidados. La ciudad tendría parques construidos para niños y ancianos en casi todos los rincones. Múltiples lugares para sentarse y árboles para dar sombra a todos. No existirían comunidades cerradas. Habría menos coches y más gente caminando. También habría estructuras tipo Archigram desde donde ver el paisaje y, posiblemente, espacios urbanos junto a un río donde las luces se encienden por las noches y simplemente brilla. No lo sé, algo así.

Creo que Calvino detalla algunos de ellos en su libro. Habla de ciudades felices y de ciudades infelices. Creo que Maurilia es una de las ciudades nostálgicas, quizás triste; la antítesis de una ciudad ideal. Él la describe como una ciudad provincial que no sobrevivió al cambio. Aquí hay un extracto:

“Cuídese de decirles que a veces diferentes ciudades se suceden en el mismo sitio y con el mismo nombre, nacen y mueren sin conocerse, sin comunicación entre ellas. En el momento, incluso los nombres de los habitantes siguen siendo los mismos, y el acento de sus voces, y también las características de los rostros; pero los dioses que viven debajo de los nombres y los lugares de arriba se han ido sin una palabra y los forasteros se han establecido en su lugar. No tiene sentido preguntar si las nuevas son mejores o peores que las antiguas, ya que no hay conexión entre ellas, al igual que las postales antiguas no representan a Maurilia como era, sino a una ciudad diferente que, por casualidad, se llamó Maurilia, como esta”. (Calvino, 1972)

Imagen 05 – Maurilia

PG: ¿Qué tan importante es ser una persona que ha viajado mucho para ejecutar un proyecto como este? ¿Crees que viajar mucho, y realmente visitar varias ciudades ayuda a visualizar lo que Calvino está escribiendo?

KP: Creo que es muy importante viajar. Hay un límite a lo que se puede ver y sentir cuando miras fotografías o videos. Vivir en ciudades, recorrerlas, descubrirlas con todos tus sentidos es lo que me inspira. Visitar la plaza principal, donde comenzó todo, los mercados y, por supuesto, sus espacios públicos. Todos esos espacios te hablan de alguna manera, dejan impresiones. Lo que tiendo a hacer es dibujar en mis diarios cuando viajo e intento registrar tanto como pueda. Tal vez cuando leo las ciudades de Calvino recuerdo mucho de lo que he visto.

Hace poco vi un video de una entrevista a Calvino en París (1974). El periodista lo sacó de su estudio y caminaron por la ciudad. De pronto se detuvieron frente a una tienda de quesos y dijo que en realidad se puede leer una ciudad, absorber información de esa ciudad a través de, por ejemplo, las tiendas frente a una calle concurrida. Estoy completamente de acuerdo con eso. Si tuviera que escribir un libro sobre queso, probablemente iría a esa tienda y aprendería de él como si fuera una enciclopedia. Lamentablemente, ese tipo de tiendas están siendo reemplazadas hoy en día por los centros comerciales genéricos, por lo que las experiencias también están desapareciendo lentamente.

PG: Por último, ¿cuál es tu visión final para este proyecto?

KP: Deseo ilustrar las 55 ciudades del libro. Comencé hace un año y medio y he terminado 12 de ellas. Es un proyecto que me importa mucho y sé que cuando termine, verlas todas juntas será algo muy especial. (1)

A veces me imagino mostrándole a Calvino la colección de dibujos que he hecho y lo visualizo prácticamente insultándome en la cara mientras mueve sus manos al «estilo italiano». Casi como diciendo ¡Come ti permetti! (¡Cómo te atreves!)

¡Me atrevo! Me atrevo porque es un experimento, porque no es un trabajo o una comisión. Es un proyecto personal; hecho por y para mí porque me encanta hacerlo y me resulta natural.

Quién sabe, tal vez esto cambie mi vida y me convierta en algo que no sabía que podía ser…

Imagen 06 – Olivia

Este año (2019) lleva ilustrando 23 ciudades invisibles y ha llevado su proyecto a Shanghái, México y Sao Paulo.

[/mpc_callout][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]Para mayor información acerca de este proyecto, consultar en: www.karinapuente.com[/mpc_callout][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Karina Puente (Lima, 1980)» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]Es arquitecta de profesión y actualmente se desempeña como arquitecto, diseñadora urbana y consultora. Estudió arquitectura en Caracas, Venezuela y en Lima, Perú (2006) y es Magister en Gestión y Desarrollo Inmobiliario por la Universidad ESAN. Desde entonces, ha participado en varios proyectos de diseño arquitectónico y urbano, entre ellos, la planificación de la Metrópolis de Lima de cara al año 2035 y la gestión y diseño del proyecto del Parque Ecológico Antonio Raimondi en Lima por el cual ganó un Hexágono de Plata en la XVII BIAU del Perú. Actualmente se encuentra desarrollando proyectos para entidades públicas y privadas incluyendo una cartera de proyectos turísticos para el Ministerio de Turismo.[/mpc_callout][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4162,4163,4164,4165,4166,4167,4168,4169,4170,4171,4172,4173,4174,4175,4176,4177,4178,4179,4180,4181,4182,4183″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

Atmósferas / José Luis Delgado Otero

[vc_row height=»auto» css=».vc_custom_1525978012963{padding-top: 0px !important;}»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»2/3″][vc_custom_heading text=»Atmósferas» font_container=»tag:h2|font_size:40px|text_align:left|color:%23d2e2a7|line_height:40px» use_theme_fonts=»yes»][vc_custom_heading text=»José Luis Delgado Otero – Artista Plástico – Perú» font_container=»tag:h4|font_size:14px|text_align:left|color:%23d2e2a7|line_height:16px» use_theme_fonts=»yes»][vc_column_text]Observaba a lo lejos, bajo el húmedo follaje, el resplandor que provocaba la lluvia al caer como látigo sobre el polvo en la trocha. En los alfeizares resbalaba la llovizna diagonal y su sustancia atomizada dibujaba tras de si, el espectro inmenso de un paisaje neblinado. Había en ellos tal cantidad de matices como el ultramar convirtiéndose en violetas, sienas y cerúleos; verdes, acaso rosas e inmemoriales grises. Con el grito de los truenos, la ínfima sensación de respiro se hacía más quieta, el corazón se suavizaba y mis ojos ya no se movían, se congelaban en el horizonte, en la silueta de los molles peinados por el viento y el aguacero.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#d2e2a7″ background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#d2e2a7″ icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]Recuerdo que aún no pintaba, es más, ni dibujaba, sin embargo quería plasmar -sin tener claro cómo- esas imágenes que se grabaron en mi mente y permanecieron inéditas ahí, durante algunos años. Nada me hubiera hecho sospechar en el desaforado vaivén de mis primeros años que un día viajaría al sur de mis recuerdos, para tomarlos y sacarlos a través de mi mano imperfecta e intentar copiarlos; y estando sumergido en mis reflexiones, advertí que la mayoría de ellos ya eran casi imperceptibles, etéreos, a pesar de mis esfuerzos se extendían horizontales y se precipitaban como derritiéndose, derribando de a pocos, cerros, montañas, arbustos y totalmente toda evidencia de geografía humana.

Ayudado por el agua y el color, pude finalmente salvar mi subconsciente, pude pintar atmósferas que la madre naturaleza nos obsequia y que nosotros -nefasta mundanalidad- nos hemos empeñado en eliminar y atropellar con nuestros humos.

Para los soñadores, el tren que parte precede a otro y sostiene -más por pasión que por razón- la idea del pasado mejor, la musicalidad del terruño erigiéndose en formas de lagos, lagunillas, andenerías y riachuelos acariciados por el tiempo y la sucesión de la eternidad del instante. La vida a todos los seres nos coloca sobre colinas que nunca pisamos, nos moja con tormentas que jamás presenciamos, nos lleva a recorrer la pampa y la chacra iluminada, y ese mundo viaja a través de una gota, en un segundo, sin comparación. Es el planeta tierra, es su magia.

De niño pude gozar de la calle abigarrada de miserias, deambulé sin rutas para subsistir. Alguna noche dormí en la intemperie, y si busco consolarme puedo decir que había cierta belleza urbana. Despertaba y entre legañas miraba primero desenfocada la furiosa ciudad, luego el ruido infernal perturbándome. A las 7.00 am., siempre.

Siempre.

Pero fue Arequipa la que despertó en mí el interés por ese paisaje, por interpretar de una vez por todas, la profundidad de esa visión y llevarla a un papel. Así que tenía un tema, al comienzo no sabía cómo capturarlo y adaptarlo para hacerlo mío, luego con el tiempo salió de mi entraña nostálgica, simple tal vez y nada más.[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»José Luis Delgado Otero» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]Nacido en Lima el 24 de Marzo de 1970, migró joven a la ciudad de Arequipa donde estudió en la Escuela de Arte Carlos Baca Flor, de la cual egresó con medalla de plata por mérito académico. A lo largo de su trayectoria como artista ha ganado gran cantidad de premios nacionales de pintura y ha participado en numerosas exposiciones colectivas nacionales e internacionales: en Chile, Argentina, Alemania, Italia y EE.UU.

Expositor de la Bienal Internacional de Acuarela «Fabriano» 2018; ha sido seleccionado para participar en el 2019 de la Bienal Internacional de Acuarela Contemporánea en Albacete-Caudete, España.

Ha expuesto individualmente desde el año 2003 en galerías locales, entre ellas la del ICPA (2003) y el Centro Cultural Chávez de la Rosa (2018); en Lima ha expuesto en el Centro Cultural Colich (2015).

En el año 2019, expondrá en Lima en una muestra dual junto al artista plástico Jaime Antillaque, en donde mostrará lo más reciente de su producción pictórica.[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4126,4127,4128,4129,4130,4131,4132,4133,4134,4135,4136,4137,4138,4139″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]

De lo simple a lo trascendente. Una mirada fenomenológica a la arquitectura de las bodegas de vino de Mendoza / Sandra Navarrete

Colaboradora Arq. Macarena Castro en el relato fenomenológico.

A veces lo que se presenta en nuestro pequeño mundo cotidiano, que parece simple, sencillo, común, esconde valores nada comunes que pueden emocionarnos, cautivarnos… allí es cuando comprendemos que lo simple se convierte en algo extraordinario, trascendente. De este “darnos cuenta” tratará esta reflexión.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#d2e2a7″ background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#d2e2a7″ icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]¿COMÚN O TRASCENDENTE?

El diccionario de la RAE (1) siempre arroja luz sobre algunos conceptos que creemos conocer, sin habernos detenido a comprenderlos, a aprehenderlos. Lo “simple” está definido como sencillo, sin complicaciones ni dificultades. Lo “sencillo” es lo que expresa ingenua y naturalmente los conceptos. Lo “común” es considerado por la RAE algo ordinario, vulgar, frecuente y muy sabido. Que tiene las mismas características que todos los de su especie y no destaca por nada especial. Que es corriente, abundante o muy extendido.

Simple y sencillo se consideran cualidades ingenuas, y la primera impresión que esta definición nos causa es de un calificativo peyorativo. Sin embargo, las ingenuas percepciones, sensaciones y emociones son las que dejan huellas imborrables en nuestra memoria, tal como nos ocurrió en la niñez. Entonces de lo sencillo a lo trascendente hay un solo paso.

Lo común es frecuente, muy sabido, conocido, es nuestro contexto inmediato. Solemos sorprendernos con los comentarios de quienes visitan nuestras tierras, que con ojos asombrados nos hacen notar las valiosas cualidades de nuestros espacios locales. Son poseedores de una particular atmósfera que es capaz de emocionarnos tal como lo definió Zumthor: “Para mí, la realidad arquitectónica sólo puede tratarse de que un edificio me conmueva o no. (…) ¿Cómo pueden proyectarse cosas con tal presencia, cosas bellas y naturales que me conmuevan una y otra vez?” (2) Y de esta manera dan identidad y personalidad a todo aquello que nos parece simple. Lo común deja de ser común.

El significado que la RAE da al término “trascendente” nos dice que es algo que está más allá de los límites de cualquier conocimiento posible. Que es muy significativo y tiene consecuencias muy importantes, más de lo que cabría esperar. Podríamos agregar a esta definición que si está más allá de nuestro conocimiento es posible que no pueda ser abarcado sólo por la razón, sino que debe involucrarse el sentimiento, trascender la materia es ser capaces de ver desde la mirada del alma.

Con la atención puesta en lo que trasciende nuestros conocimientos intelectuales nos acercamos a mirar lo que está cerca, que parece común y sencillo a nuestros ojos, y sin ninguna duda es trascendente. Observemos con todos nuestros sentidos los espacios más representativos de Mendoza, sus bodegas, la arquitectura del vino.

UN ACERCAMIENTO A LA CULTURA LOCAL.

Mendoza tiene un paisaje singular. En el imaginario colectivo se la identifica como tierra de montañas, de sol, de vino. Cuando cada mañana de invierno miramos las montañas nevadas, se hace evidente la pureza del agua con que se riegan los campos de donde procede el vino, que no es un producto elaborado en una fábrica, proviene de las entrañas de la tierra, requiere del cuidado y el amor de los cultivadores de la vid para poder crecer, se nutre del agua y del sol, arraiga al campesino a su lugar de origen, produciendo un fenómeno social de proporciones interesantes.

Imagen 1. Paisaje de viñedos al pie de Los Andes, en Mendoza.

En la zona andina argentina se observa que desde principio del siglo XX, las tradicionales bodegas mendocinas eran simples galpones que contenían las clásicas barricas de roble.

Imagen 2. Depósito y galpón de expedición. Bodega Arizu Pioneros de la Vitivinicultura en Mendoza. Bodegas y Viñedos Arizu S.A (año 1888). (3)

Pero desde principios de los años ’90 los arquitectos junto con los empresarios vitivinícolas se replantearon el concepto de bodega. Era necesario que lo simple y sencillo se transformara en una arquitectura que pudiera representar la identidad regional. Y así se intentó dotar a la arquitectura tradicional de aspectos menos comunes (como si éstos no fueran realmente significativos). Se buscó crear espacios representativos de la cultura de Mendoza; valorizar la identidad del terruño donde se encuentran, resolver una arquitectura contemporánea y que al mismo tiempo pudieran establecer con la naturaleza circundante una relación de respeto, equilibrio y armonía. En esta búsqueda de sentido se distinguen las obras del estudio Bórmida & Yanzón por haber ingresado al nuevo paradigma de la posmodernidad, del auge de la experiencia sensible. Sus bodegas se inscriben en el marco posmoderno del regionalismo crítico, con alto contenido perceptual y se destacan por sus particulares relaciones con el paisaje del lugar.

La postura proyectual de los arquitectos Bórmida y Yanzón queda explícita en su propias palabras:

“Creemos en una arquitectura que surge del lugar y de la gente, que acepta los desafíos del mundo contemporáneo y, a la vez, es sensible a los valores de la tradición. Creemos que la visión crítica de los hacedores, la ética corporativa de los equipos de trabajo y el poder de la comunicación con el medio, son factores estratégicos esenciales en los procesos de crecimiento que transforman nuestra realidad. Creemos en un territorio que se desarrolla en equilibrio, potenciando las fortalezas de su patrimonio natural y cultural, y que se inserta convenientemente en las múltiples redes del mundo global de hoy”. (4)

LA FENOMENOLOGÍA COMO CAMINO DE BÚSQUEDA

Habitualmente se estudia el fenómeno arquitectónico a través del análisis crítico de los espacios interiores y exteriores a partir de variables conceptuales heredadas de la academia. Proponemos aquí incorporar otras variables que tienen que ver con lo sensible y trascendente, nos posicionamos en la mirada fenomenológica como alternativa a los análisis convencionales.

Los procesos de diseño requieren una sólida base conceptual, pero el camino racional del movimiento moderno fue fuertemente cuestionado en la posguerra de mediados del siglo XX por su énfasis en los aspectos físicos en detrimento de los emocionales y psicológicos.

La fenomenología incorpora modos de aprehender el mundo a través de la experiencia sensible en forma rigurosa y sistemática, y de este modo establece vínculos más personales entre el objeto arquitectónico y su contexto, con el hombre que los habita. La fenomenología en el diseño incluye los sentidos, la percepción. Estos términos forman parte del lenguaje habitual de la práctica proyectual en la que se involucran experiencias estéticas, sensibles, para lograr una aproximación integradora y humanizada a la idea generadora de la obra a diseñar.

La experiencia de placer es subjetiva y depende de variables culturales y contextuales; de allí la dificultad de llegar a un juicio crítico objetivo, generalizable, con rigor científico. La sensibilidad tiene su raíz etimológica en su origen griego (sensibilidad proviene del término estética). Se sostiene como hipótesis principal que la interpretación de la arquitectura a través de la fenomenología permite un mayor acercamiento al impacto sensorial que produce en quienes tienen la oportunidad de experimentarla. De esta manera es posible comprender que aquellos espacios que bajo la lupa racionalista son comunes y simples pueden ser extraordinarios si nos permitimos vivenciarlos, experimentarlos y que las impresiones que nos dejan nos lleguen al alma.

COMPRENDER LA ARQUITECTURA DESDE LA EXPERIENCIA DEL ESPACIO.

Para Husserl, “El mundo es el conjunto total de los objetos de la experiencia y del conocimiento empírico posible. Este mundo se extiende, antes bien, en un fijo orden del ser, hasta lo infinito” (5). Es decir que el campo de investigación de la experiencia del mundo no tiene límites. Por esta razón, para lograr una formación crítica que incluya los factores racionales ya aprendidos, y también la sensibilidad y el gusto, se realizó una experiencia real con una visita a ejemplos de arquitectura destacados en el ámbito regional (con reconocimiento internacional): las bodegas del Estudio Bórmida y Yanzón.

Esta experimentación en el lugar pretendió poner a prueba los conceptos adquiridos, pero fundamentalmente tomar registro de sensaciones y emociones que provocan los espacios que han sido proyectados con estas premisas (según lo declaran los autores). Se elaboró una herramienta para el análisis crítico de las bodegas mendocinas. Se evaluó la experiencia a través de encuestas validadas en el ámbito académico-científico por Bermúdez, en publicaciones y presentaciones en diferentes y reconocidas instituciones como la Universidad de Harvard. También se solicitó a los estudiantes que tomaran fotografías de los sitios que les provocaran algún tipo de impacto emocional, y realizaran croquis y descripciones escritas para finalmente preparar un video que contemplara diferentes variables fenomenológicas.

Los aspectos observados fueron los siguientes:

– Experiencia sensual, física: obedece a los estímulos cerebrales logrados a través de los 5 sentidos, vista, olfato, tacto, oído y gusto, los cuales dan una realidad física del ambiente.

– Experiencia analítica, intelectual: se produce a partir de la razón, es la reflexión crítica sobre la realidad observada, está influenciada por los conocimientos previos, la cultura.

– Experiencia emocional: reacciones psicofisiológicas que representan modos de adaptación a ciertos estímulos del individuo cuando percibe un objeto. Las emociones organizan rápidamente las respuestas de distintos sistemas biológicos, incluidas las expresiones faciales, los músculos, la voz, la actividad del SNA. Ekman et al. (1983) propusieron patrones de la emoción diferentes para seis emociones, que son universales y biológicamente básicas, las cuales son: sorpresa, asco, tristeza, ira, miedo, alegría (felicidad).

Los resultados de esta experiencia fueron muy valorados en el ámbito universitario y en la sociedad en general. Los propios estudiantes demostraron un cambio en sus niveles de apreciación de la arquitectura, que reflejaron de un modo notable en sus procesos proyectuales de las asignaturas de taller. Entre los casos mejor valorados se encuentra la Bodega Diamandes que cuenta con un emplazamiento de fuerte relación con el paisaje y una cava interior que impacta en todas las variables observadas: la sensual, la analítica y la emocional.

A continuación nos sumergimos en un nuevo desafío, describir la arquitectura del vino, una bodega en particular (Diamandes), como lo propone la fenomenología, desde lo personal y subjetivo, narrado en primera persona, tal como lo hiciera Zumthor: “Aquí estoy, sentado en una plaza de sol, un gran soportal, largo, alto, hermoso bajo el sol. La plaza – frente casas, iglesia, monumentos – como un panorama ante mis ojos.” (6).

UN RELATO CON MIRADA FENOMENOLÓGICA.

Un nuevo día de jornada laboral, aunque es miércoles, los paseos siempre son estimulantes. Mientras nos acercamos al inicio del viaje, la ciudad de Mendoza se despierta con cantos de pájaros en sus arboledas, con el ruido de los autos entre sus calles y los pasos de las personas, que van y vienen por sus veredas; a medida que nos vamos acercando a la hora; las expectativas y la imaginación nos acercan a lo que esperamos y desearíamos ver. Introducciones de antiguos relatos nos inician en un camino que nos dibujan imágenes de recorridos que iremos reconociendo e incorporando a nuestra memoria a lo largo del camino.

El camino es simple, como todas las rutas de Mendoza. Y sin darnos cuenta ya estamos sobre las vías de vinculación más importantes. Extensas y casi eternas, nos conducen hacia los paisajes de montaña, siempre a nuestro lado como contándonos un relato, explicando su altura, color y textura… a veces nítida, a veces abrigada por nubes o maquillada con nieves eternas.

Nos dirigimos de norte a sur por la ruta 40, a veces por rutas menores… hay cambios de población, de automóviles y de actividades, todas en constante movimiento. La llegada a Tunuyán se anuncia, no sólo por controles y por carteles, sino porque su urbanización es evidente. Veníamos de espacios sin dominar y campos eternos con casitas como puntos perdidos sobre el llano. Estamos sobre el punto indicado y llegamos a la estación de Miraflores a Tunuyán, al Cordón del Plata.

Nos acompañan interminables túneles verdes y amarillos del comienzo del otoño, marcados y guiados por las aguas de las acequias. El mismo conjunto de elementos… vereda, arboleda y calle, como aquella Mendoza que dejamos atrás, pero a través de nuestra ventanilla sentimos el aire fresco renovado, que a nuestros oídos es como silencios que murmuran casi como queriendo escuchar lo que nos dicen los álamos y árboles al costado y orillas del camino.

Imagen 3. Camino del vino de Mendoza.

Vamos hacia el oeste… se nota porque es cuesta arriba hacia la montaña, con el sol tras nuestras espaldas como referencia, pero en lenta procesión, como en cámara lenta a lo que no conocemos. Todo a nuestro alrededor se repite como en la ciudad de Mendoza, silvestre, fértil, frondoso, despeinado al compás de las brisas, pero construido de forma casi artesanal. Todos los hogares con un espíritu del lugar con un aire propio y natural… la armonía de la vegetación rodea los recintos de cada poblador.

De a poco se está haciendo conocer la Bodega Diamandes. Seguimos pistas como migajas en el camino, interactuamos con sus vecinos trabajadores, creadores de bellezas como jardines, y aquellos que reciben como guardias.

Imagen 4. Bodega Diamandes al pie de la montaña mendocina.

El piedemonte entierra y resucita viñedos conquistados por los primeros pobladores, sus descendientes y propietarios extranjeros con espíritus audaces y sueños grandes. A lo largo del camino interno de tierra acompañado por arbustos bajos de colores terrosos y campos con viñedos que forman una alfombra verde sin fin, con sus hojas de parras de paletas de variados verdes, que asoman entre tutores. Son brotes libres, protagonistas de una danza infinita entre la brisa y el sol.

Llegamos a la entrada peatonal de Diamandes, configurada por dos fuertes bloques que se direccionan hacia el centro y parecen dos guardianes que miran hacia un centro, expectantes. Enfrentados, miran hacia su interior, un diamante asoma desde el centro.

Imagen 5. Patio de acceso a la Bodega Diamandes.

Se vislumbra un espacio que se va desmenuzando en una plaza central circular, formando un punto de encuentro ideal, en donde nuestras voces retumban entre dos planos enfrentados con puertas de vidrio que se escalan casi a nuestras alturas.

Fina obra de Ingeniería por los materiales de sus tensores y pulidos caños de aleación metálica, tratando de ver sus uniones, nos roban los suspiros, nuestras voces retumban en el centro en un viaje directo, perdemos todo vértigo al ir directo a su centro, todos con nuestros brazos agarrados, inclinados con el torso hasta la mitad miramos llevándonos a perder el miedo y sentirnos tranquilos casi en el interior.

Imagen 6. Estructura metálica que simboliza un diamante.

Entendiendo un poco más de lo que es ser un diamante de los Andes (de allí Diamandes), nos adentramos, con permiso del lugar, hacia el área de producción, encontramos un hall de espera pequeño pero hogareño en donde el viento se corta inmediatamente, y se inician en el olor característico de la preparación de las uvas.

Bajamos un nivel completo a través de un pasadizo lleno de misterios y penumbras. Las paredes muestran una simplicidad de colores grises, tenues y texturas lisas.

Imagen 7. Recorrido interior entre las barricas y el diamante.

Llegamos al espacio sagrado: la cava, de una majestuosidad impresionante no por su escala sino por la atmósfera que allí se respira. Nos ubicamos en su centro, tímidos pronunciamos palabras, como niños descubriendo el sonido de nuestra voz. En el piso se dibuja el diamante que refleja la luz del cielo, entrando por el óculo superior.

Imagen 8. La cripta.

Imagen 9. El diamante tallado en el piso de la cripta.

Sin notar el paso del tiempo llegamos a la sala de barricas y seguimos ascendiendo en espiral.

Imagen 10. Sala de barricas.

Finalizando la visita nos encontramos nuevamente en el hall del lado norte. Al salir a la superficie nos sentimos impactados por el recorrido, los caminos que conocimos, sin sentir si subimos o bajamos… nos sentimos atrapados por la magia de los distintos sectores visitados.

Nos animamos a decir que de la tierra, esperando y madurando, proviene el alimento para el corazón y para el alma. Es así como el vino es tratado como un fino diamante en bruto, pulido con tiempo y paciencia, con cuidados de día y de noche, y luego venerado como piedra infinita que viaja, como nuestro viaje de recorridos internos y externos, conociendo a fondo la grandeza de su ser.

Imagen 11. Vides, acequias, al pie de la montaña nevada de Mendoza.

REFLEXIÓN FINAL.

En la arquitectura intervienen aspectos técnicos, formales y funcionales, imprescindibles para lograr su materialización. Pero si no logra emocionar, conmover el espíritu, ponernos en contacto con su íntima esencia, no deja de ser un objeto sin alma. Si en cambio despierta y conmueve, su noble fin se habrá cumplido… dejar una huella imborrable en la memoria, trascender.[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]

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Texturas y espacios: Sobre una poética del objeto / Heiner Valdivia

[vc_row height=»auto» css=».vc_custom_1525978012963{padding-top: 0px !important;}»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»2/3″][vc_custom_heading text=»Texturas y espacios:» font_container=»tag:h2|font_size:40px|text_align:left|color:%23d2e2a7|line_height:40px» use_theme_fonts=»yes»][vc_custom_heading text=»Sobre una poética del objeto» font_container=»tag:h3|font_size:18px|text_align:left|color:%23d2e2a7|line_height:20px» use_theme_fonts=»yes»][vc_custom_heading text=»Heiner Valdivia – Poeta y Artista visual – Perú» font_container=»tag:h4|font_size:14px|text_align:left|color:%23d2e2a7|line_height:16px» use_theme_fonts=»yes»][vc_column_text]Mi arte poemático, no subvierte la condición del poema y su textualidad, busca acceder a un plano cuasi gramático, de ahí ‘arte poemático’ en su intento de plasmar y fusionar la poesía con el libro-objeto, el libro-arte, la plaqueta y el espacio gráfico y visual, en la que vengo desarrollando una poética que va más allá de los límites y las plataformas conocidas en la poesía, donde el libro, en su aparato de convencionalidad y eje textual que une lo formal de la escritura con el acto del sentir, es una especie de exploración que va más allá de lo textual y lo poético, porque el poema y la poesía se unen en esencia al contexto de lo gramático que subyace entre las estructuras y las plataformas de los espacios visuales más recientes, para surcar y explorar otras vertientes, discursos y sintagmas de comunicación que tengan que ver más con las tendencias contemporáneas del arte conceptual, el Pop-art, las artes visuales, el collage, el Fluxus, el minimalismo y el arte posmoderno en general.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#d2e2a7″ background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#d2e2a7″ icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]Todos mis objetos, o artefactos poéticos como se les llama, tratan de unificar una poética que se desliza por los distintos espacios y texturas posibles: cartillas, tests psicológicos, cartas, telegramas, entre otros, buscan conquistar el espacio de la objetualidad dentro del contexto lingüístico y la estructura, ya sean de distintas formas y dimorfismos temáticos, explorando y haciendo real el mundo de la ironía con el micropoema, el mensaje contracultural con lo político, el cliché Pop-art con la propuesta del intervencionismo y el apropiacionismo, y otras críticas y narrativas visuales que tengan que ver con el desempeño de mi poesía en nuevos surcos y plataformas concretas de texturas y materialidad, donde mis objetos se vienen irrumpiendo con soltura, precisión y territorialidad única, como queriendo decir un mensaje a posteriori que habla sobre el embalaje tradicional y enquistado del poema que se confina en el libro para morir con él.

Y en mi propuesta, presiento que es una de las más intensas como únicas, por su labia de evidenciar una poesía salvaje, evocadora de una huella ancestral que va con el misterio, la mística y la pasión desmedida, uniendo a la melancolía con el desarraigo, al eclecticismo con la semiología de la búsqueda, como una propuesta de vida y actitud ante mi propio mundo, porque mi poesía trata de invadir ese ‘otro reino del arte’, que sigue siendo poesía, pero con la mirada de lo contemplativo y el arrobo de extraer las miradas hacia una plataforma de creación originaria y crítica constante hacia el mundo de la poesía y el arte, y del que estoy seguro que permanecerá entre nosotros por muy buen tiempo, porque mi curiosidad no cesa de indagar e investigar, de crear constantemente un mundo paralelo al de la poesía, con la entrega más exhaustiva que le puedo dar, y siempre con esa mira de singularidad tan mía en ser actual y presente en el mundo real, donde la comunicación cambia y muta constantemente ese carácter intrínseco de comunicar el mundo interno del poeta.[/vc_column_text][us_separator thick=»2″ style=»dotted» icon=»fas|circle» show_line=»1″ line_width=»default»][mpc_callout preset=»mpc_preset_21″ layout=»style_8″ title_font_preset=»default» title_font_color=»#0a0202″ title_font_size=»17″ title_font_line_height=»2″ title_font_transform=»none» title_font_align=»left» title=»Heiner Valdivia» title_margin_divider=»true» title_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:5px;» content_width=»100″ content_font_preset=»default» content_font_color=»#0a0000″ content_font_size=»12″ content_font_line_height=»1.5″ content_font_align=»left» content_margin_divider=»true» content_margin_css=»margin-top:0px;margin-bottom:0px;» icon_disable=»true» icon=»etl etl-happy» icon_color=»#f7f7f7″ icon_size=»80″ background_color=»#f7f7f7″ padding_divider=»true» padding_css=»padding-top:20px;padding-right:20px;padding-bottom:20px;padding-left:20px;» mpc_button__disable=»true» mpc_button__url=»url:%23|title:Link|» mpc_button__font_preset=»mpc_preset_20″ mpc_button__font_color=»#f7f7f7″ mpc_button__font_size=»16″ mpc_button__font_transform=»uppercase» mpc_button__title=»BUY LICENSE» mpc_button__border_css=»border-width:2px;border-color:#f7f7f7;border-style:solid;border-radius:0px;» mpc_button__padding_divider=»true» mpc_button__padding_css=»padding-top:12px;padding-right:30px;padding-bottom:12px;padding-left:30px;» mpc_button__margin_divider=»true» mpc_button__hover_font_color=»#75cdde» mpc_button__hover_background_color=»#f7f7f7″ mpc_button__hover_background_effect=»slide-top» mpc_divider__disable=»true» mpc_divider__preset=»mpc_preset_2″ mpc_divider__width=»10″ mpc_divider__lines_color=»#f7f7f7″ mpc_divider__lines_weight=»2″ mpc_divider__margin_divider=»true» mpc_divider__margin_css=»margin-bottom:-10px;»]Poeta, artista visual y escritor. Nació en Arequipa en 1978. Es egresado de la Universidad Nacional de San Agustín en las carreras de Literatura y Lingüística y Ciencias de la Comunicación. Ha publicado los libros de poesía: Vesperia (2004), El denario habitual (2013), Eklosión (2015), Terapias y diagnósticos del Dr. Petrus Carmichael (2016), Anticéfalos (2017), Voluptas Mystica (2018) y el libro de microrrelatos Insectario Doméstico (2018). Además ha realizado los artefactos poéticos, plaquetas y libros objeto de los que resaltan: The maniak letters (2014), Paréntesis (2016), Psicofonías (2016), Poemas reactivos (2017), Zoogramas (2017), Motionpraxis (2017), Terrosphera (2019) y Telegramas (2019). Se ha desempeñado como redactor cultural en distintos medios escritos locales con artículos de cine, poesía y literatura.[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4082,4083,4084,4085,4086,4087,4088,4089,4090,4091,4092,4093,4094,4095,4096,4097″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]