[vc_row height=»auto» css=».vc_custom_1525978012963{padding-top: 0px !important;}»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»2/3″][vc_custom_heading text=»De la Arquitectura a la indumentaria sin género» font_container=»tag:h2|font_size:40px|text_align:left|color:%234945dd|line_height:40px» use_theme_fonts=»yes»][vc_custom_heading text=»Ronald Soto Mendieta – Arquitecto y Diseñador – Perú» font_container=»tag:h4|font_size:14px|text_align:left|color:%234945dd|line_height:16px» use_theme_fonts=»yes»][vc_column_text]Abstract
Buscando desafiar su formación de arquitecto, Ronald Soto (RSM) incursiona en el mundo de la moda como diseñador autodidacta; explorando metodologías y procesos de conceptualización que van de la idea a la prenda utilizable.
Los proyectos de RSM toman a los prejuicios de género que existen sobre el vestir, como una oportunidad para desafiar lo socialmente establecido como masculino y femenino; generando propuestas contestatarias.
El diseñador se asigna tareas a sí mismo, lo que sucede en medio de la ambigüedad de su profesión, del género de sus productos y de la dimensión tangible que estos tienen.
Collages de fotografías de moda, masculinidades deconstruidas y prendas de vestir desarrolladas como detalles arquitectónicos; cuentan historias tanto gráficas como personales. Una deconstrucción de los procesos de diseño aprendidos, mientras se crean nuevos métodos que nacen de la misma labor creativa y productiva.
La indumentaria vista como una segunda piel que nos permite lidiar con nuestro contexto y expresar quienes somos.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#4945dd» background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#4945dd» icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]Presentación
Proyecto: RSM
Más que una marca de ropa, RSM es un proyecto de diseño interdisciplinario que toma como base mi formación de arquitecto y se enfoca en transferir algunos principios y procesos del diseño arquitectónico al diseño de indumentaria, diseño de estampados, ilustración y collage. Nacido en Arequipa-Perú en el año 2014, este emprendimiento busca cuestionar los estereotipos de género que definen la forma de vestir diferenciada de hombres y mujeres. A veces sutil y a veces explícita, esta propuesta no busca ser un producto controversial u ofensivo; sino una oportunidad de liberar nuestras mentes, abrir posibilidades y generar discusión.
La apariencia personal puede en ocasiones ser un pretexto para la violencia. Diariamente, personas con expresiones de género distintas a las establecidas son acosadas respecto a la forma de cómo lucen, ya sea en relación a sus cuerpos o a la indumentaria que utilizan. RSM busca romper con el ciclo de violencia y acoso, y proponer tolerancia, aceptación y celebración de la libertad individual.
Este proyecto toma como punto de partida a la indumentaria masculina, la que ha sido el foco principal de mi incursión fuera de la arquitectura. La industria de la moda masculina tiende a ser conservadora, lo cual revela los fuertes prejuicios sociales que terminan dictando lo que es aceptable como masculino. Es así como decido incluir elementos tradicionalmente entendidos como femeninos al guardarropa del hombre, ayudando a difuminar las líneas entre géneros e invitando a un uso menos segregado de la ropa.
El proyecto apunta a una realidad por ahora utópica en la que podremos hablar de indumentaria neutra, sin género, genderless o gender-free. Para RSM, el vestir es un lenguaje a través del cual podemos expresar nuestro ser; es una armadura que nos permite lidiar con el mundo externo; y, por tanto, forma parte de nuestras técnicas personales de afirmar nuestro poder y asertividad. El logotipo está conformado por las iniciales de mi nombre en color blanco y actualmente el color de fondo es rosado.
Durante los cuatro años que llevo trabajando en este proyecto, he podido identificar tres fases o etapas por las que he pasado y describirlas me permitirá explicar mis procesos de conceptualización al igual que los de diseño, y cómo estos han ido mutando con el paso del tiempo.
De la Arquitectura a la Moda
Colección: Geometry Class – AW ‘15
Conceptualizar, diseñar y desarrollar una colección de indumentaria conlleva un proceso creativo y productivo muy ordenado; pero que no deja de ser dinámico. Para explicarlo tomaré como ejemplo la colección Geometry Class, trabajada entre los meses de febrero y mayo de 2015, y pensada para la temporada otoño-invierno del mismo año.
Se trata de una serie de prendas deportivas y combinables entre sí; inspiradas en la arquitectura deconstructivista de Daniel Libeskind, tomando como referencia las figuras geométricas fracturadas y la paleta de colores fríos (blanco, gris, azul y negro) de las fachadas de sus edificios.
Esta colección explora dos conceptos de ambigüedad, los cuales se vinculan al proceso de desarrollo de la misma:
1. Arquimoda – La ambigüedad entre el diseño arquitectónico y el de indumentaria.
Teniendo claro el concepto y la inspiración, surge una etapa de bocetos rápidos, los cuales pasan a convertirse en flats, que son representaciones bidimensionales de las prendas. Estos fueron dibujados como si se trataran de planos de detalle arquitectónico, indicando las dimensiones, materiales y colores de cada una de las piezas que componen las prendas, a manera de rompecabezas de tela. A las combinaciones de prendas se les denomina tenidas o looks y son la forma como los diseños luego serán presentados en fotografías y en pasarela. Los looks permiten contar la historia gráfica de la colección siguiendo un orden.
Las tenidas fueron diseñadas como si se trataran de fachadas de edificios, bañados por la luz del sol desde la parte superior y generando sombras y ángulos, los cuales se convierten en líneas de corte y cambios de color y textura en las prendas. Es por eso que las partes inferiores de los looks son de colores más oscuros.
Con los flats listos se procede a seleccionar los materiales, es decir, las telas y avíos con los que se confeccionarán las prendas. Esta etapa permite realizar modificaciones en los diseños, ya que las telas son otro factor importante en el proceso creativo. En algunas ocasiones, las telas se seleccionan antes de comenzar a diseñar; pero en el caso de este proyecto, la selección de telas dependió del concepto y de la paleta de colores decididos previamente.
Al tratarse de una colección deportiva, las prendas fueron trabajadas en tejido de punto de algodón, pues este se adapta mejor al cuerpo y, al tratarse de un material versátil, facilitó la ejecución de los bloques de color que componen los atuendos. Durante la etapa de confección, mi trabajo consiste en supervisar que las prendas se ejecuten según los flats y la calidad de los acabados. La producción se realiza en un taller de costura que trabaja externamente para RSM.
Otra característica de RSM es que es un proyecto socialmente responsable y considerado con las personas que confeccionan los productos, en contraposición a la industria de fast fashion, donde se sacrifican las condiciones laborales del equipo de producción para reducir los costos y elevar ganancias. A medida que las prendas se terminan, es importante realizar varios fittings o pruebas de vestuario en una o varias personas de talla promedio, para poder confirmar que las proporciones de las piezas sean correctas y que los diseños cumplan con su función a cabalidad.
2. Uniwear: La ambigüedad entre lo que un hombre y una mujer “deben” usar según los estándares impuestos por nuestra sociedad.
En nuestro contexto, la indumentaria masculina es menos arriesgada que la femenina, tiene menos opciones y está llena de prejuicios; por esa razón decidí adaptar la falda al guardarropa masculino. Con las prendas listas, se realiza una producción fotográfica que tiene como resultado un lookbook o catálogo de tenidas. En esta etapa debe regresarse al concepto inicial y elegir una locación, accesorios, peinado y maquillaje que ayuden a comunicar el mensaje que lleva la colección. Se trata de un trabajo en equipo en el que modelos, fotógrafos y estilistas quedan bajo la orientación de diseñador, quien ahora toma el rol de director de arte. Esta es quizás la etapa más importante en cuanto a materialización de ideas y conceptos.
La etapa final del desarrollo de este proyecto fue el desfile de modas y presentación al público, para el cual se eligieron a cinco modelos varones portando máscaras con figuras geométricas, que diseñé y confeccioné. El rol de las máscaras era el de permitir que el espectador viera al modelo como un ente neutro, generando interés sobre las prendas sin importar la identidad de quien las portaba. Lo que incluso podía permitir que una mujer desee utilizar una prenda puesta en uno de los hombres enmascarados.
El desfile de modas es entendido como una experiencia, en la que se presentaron cinco tenidas acompañadas de música pop-rock y efectos de iluminación sutiles.
Del Cuestionamiento de la Masculinidad
Proyecto: Falo.cias – AW ‘17
La moda es también una respuesta a lo que sucede en nuestro entorno. Eventos sociales, políticos, ambientales, etc. se pueden reflejar en la manera como vestimos y pueden ser tomados como una oportunidad para elaborar propuestas contestatarias.
Falo.cias (falo = sobre un hombre, falacias = sobre las mentiras respecto a que la ropa y otros elementos determinan el género) es un proyecto que corresponde a una nueva etapa dentro de mi labor como diseñador autodidacta, en la que he comenzado a diseñar, desde mis emociones y experiencias personales, algo que puede ser muy abstracto, pero que siempre tendrá una respuesta gráfica muy clara. Falo.cias es un proyecto interdisciplinario que involucra diseño de indumentaria, fotografía, collage e ilustración digital; en colaboración con los fotógrafos Diego Barrientos y Jean Paul Collado.
La colección consta de un conjunto de prendas de líneas rectas y cortes de sastrería (asociados tradicionalmente a la indumentaria masculina), complementadas con estampados fálicos explícitos. El pene es representado de forma arquitectónica, reducido a sus líneas vectoriales más simples y estampado sobre prendas de vestir, a fin de evidenciar el estigma con el que los genitales masculinos cargan, al ser socialmente interpretados como tabú, dignos de ser censurados y asociados a la pornografía. Estos elementos interpretados como masculinos fueron acompañados por maquillaje, bloques de colores vibrantes y flores llamativas (tradicionalmente asociados al género femenino). Este contraste busca poner en peligro la frágil masculinidad del hombre tradicional, sin embargo, el personaje representado en las imágenes luce muy cómodo consigo mismo, al apropiarse de todos estos elementos para expresar su ser.
Cada collage es entendido como una deconstrucción (reconstrucción o redefinición) de lo que significa ser un hombre ante nuestra sociedad, además de la exposición de la intimidad y la vulnerabilidad de los genitales masculinos reducidos a líneas topográficas.
La serie fue desarrollada exclusivamente para la web de arte y moda Doncel (México), y fue acompañada del siguiente texto:
«La sociedad nos dice que los hombres deben ser masculinos. Es decir, que deben ser velludos y corpulentos, usar pantalones, ser fuertes, jugar al fútbol, ser racionales, casarse con una mujer, sentirse atraídos por mujeres, ser el sostén y la cabeza de la familia, y no deben llorar ni expresar sus emociones. Los hombres pueden ser violentos y decir groserías, y pueden vivir plenamente su sexualidad y experimentarla (sólo con mujeres)….
Que todos los hombres son iguales…
¿Pero qué significa ser un hombre, más allá de haber nacido con pene y testículos entre las piernas? ¿Cómo debe lucir un hombre para ser considerado como masculino ante la sociedad?
No todos los hombres son iguales. A muchos les cuesta identificarse con lo que socialmente significa ser un hombre y con lo que un hombre debería hacer para ser considerado como masculino. ¿Cómo es que lidia, como otros, con la fragilidad de la masculinidad?
La serie falo.cias busca desafiar el molde de masculinidad impuesto por la sociedad y presentar una alternativa a cómo puede lucir y ser un hombre, en tiempos en los que el hombre parece representar al villano de la historia, falo.cias aborda el estigma de la masculinidad alternativa.
¿Quién dice que un hombre deja ser hombre si usa faldas y maquillaje? ¿Quién dice que lo que nos envuelve define lo que somos? ¿Qué tan hombre es un hombre que se atreve a usar su pene o el de alguien más estampado en una camiseta?
Entre líneas rectas, colores neutros y estampados explícitos, esta serie re-define la idea de lo que ser un hombre representa, borrando límites entre géneros convencionales, y jugando con las imágenes mentales que estos proyectan».
Esta serie de imágenes fue censurada en Instagram, como una muestra de la doble moral que rige en redes sociales.
Del Género Neutro y Otras Utopías
Proyecto: In Ruins – (nunca antes publicado)
A fines del año 2015, comencé a trabajar en una serie de diseños situados en escenarios utópicos e hipotéticos. Sociedades imaginarias en las cuales los conceptos de género ya no son como ahora los conocemos.
Esta inquietud nació en mí luego de un viaje a las ruinas del pueblo de Zaña, al norte del Perú en la provincia de Chiclayo, Lambayeque. Se trata de un lugar exquisito en el cual yacen los restos de una serie de templos religiosos, destruidos por una inundación sucedida a principios del siglo XVIII, bajo la creencia que este fue un “castigo divino” a consecuencia de los ritos paganos y las orgías que celebraba la población.
Inspirado en el poder destructor y creador de la naturaleza, y en las singulares formas fracturadas de las cuatro iglesias góticas que sobrevivieron a esta catástrofe, es que nace la colección In Ruins. Entre columnas y muros corroídos y apolillados, cúpulas desfasadas que parecen integrarse con el cielo azul y una paleta de colores tierra; se forman los patrones, cortes y siluetas de las tenidas sin género que forman parte de esta colección.
En un escenario posapocalíptico, resultado de una grave tragedia ambiental, nos encontramos ante una sociedad en la que los límites entre lo masculino y lo femenino han dejado de existir y el género ha pasado a ser un concepto obsoleto. Todos los atuendos se presentan como túnicas neutras y compuestas de retazos de tela a manera de patchwork (tejido hecho por la unión de pequeñas piezas de telas cosidas entre sí por los bordes), en una sociedad en la que el reciclaje y la reutilización de materiales son fundamentales para preservar la vida y los recursos.
Esta colección aún no ha sido terminada, tan sólo existen bocetos a mano alzada y algunos collages, a manera de pruebas digitales, para representar el resultado que estoy buscando.
Por otro lado, este proyecto es una especulación sobre un futuro no binario, en el que todo sería válido a la hora de vestir, en el que no existirían distinciones de género a fin de abolir los prejuicios con los que crecemos y de abogar por la libre expresión del ser. Al fin y al cabo, la ropa es sólo ropa y no debería tener que cargar con tantos estigmas.
De mi experiencia fuera de los moldes
Siento que diseñar indumentaria cambió la forma en la que yo veía mi labor como arquitecto, es por ello que hoy apunto a convertirme en un diseñador interdisciplinario, pues me di cuenta de que la base de mi profesión podía permitirme diseñar en los rubros que yo quisiera y cuando yo quisiera hacerlo.
Descubrí que diseñar indumentaria no me hacía menos arquitecto, al contrario, me daba nuevas herramientas para crear. No tenía por qué meterme a mí mismo dentro de ningún molde y tampoco a mis creaciones.
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Sus diseños han sido publicados en las revistas y webs de moda: Podium Latinoamérica (Perú, 2015) y Doncel (México, 2017); y expuestos en los festivales: De Eros a Porno (Lima, 2017 y 2018), Arequipa en un Instante (Arequipa, 2017) y Fotografía de Autor (Arequipa, 2017).[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»1276,1277,1278,1279,1280,1281,1282,1283″ nav=»dots» meta=»1″ autoplay=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]