[vc_row height=»auto» css=».vc_custom_1525978012963{padding-top: 0px !important;}»][vc_column][vc_row_inner][vc_column_inner width=»2/3″][vc_custom_heading text=»Fotografía» font_container=»tag:h2|font_size:40px|text_align:left|color:%2363858b|line_height:40px» use_theme_fonts=»yes»][vc_custom_heading text=»Nicolás Combarro – Fotógrafo – España» font_container=»tag:h4|font_size:14px|text_align:left|color:%2363858b|line_height:16px» use_theme_fonts=»yes»][vc_column_text]Este texto recorre un proceso de investigación y creación desarrollado a través de la interacción entre arte y arquitectura por el artista Nicolás Combarro.
El trabajo reflexiona sobre el espacio construido a partir de la observación y el análisis de sus diferentes formas y manifestaciones, sus patrones y estructuras, buscando referentes que permitan la comprensión de las diversas maneras de establecer diálogos desde el arte. La construcción, como transformación del entorno natural, sirve de lienzo para el desarrollo de distintas series de creación que comparten la intervención de la arquitectura como elemento común.
La intervención es un método híbrido que aglutina diferentes disciplinas: dibujo, pintura, escultura e instalaciones, están presentes a lo largo del trabajo, siendo la fotografía el medio a través del cual se establece un puente entre las estructuras intervenidas y el lector, una ventana a un espacio que navega entre realidad y ficción, referente y representación.
La mayoría de las intervenciones están realizadas sobre edificaciones en proceso de construcción o de-construcción. Un limbo en el que parece que el tiempo está paralizado conteniendo tanto la memoria de su pasado, y de su función original, como su proyección a un estadio posterior de finalización o de destrucción. La falta de una identidad cerrada permite apoderarse de la arquitectura mediante la acción artística. Estas construcciones son seleccionadas a través de un vasto trabajo de localización. En esta fase previa la fotografía se emplea también como herramienta de documentación y comprensión del espacio.
Se trata, en fin, de una búsqueda constante para comprender y experimentar directamente sobre el entorno arquitectónico. Toda construcción contiene el potencial de ser, de continuar transformándose, superando su estatismo, generando una visión más orgánica, viva, que nos permita relacionarnos con nuestro entorno, expandir la realidad de nuestro hábitat, activar estructuras congeladas.[/vc_column_text][ultimate_exp_section title=»Leer más» new_title=»Ocultar» text_color=»#63858b» background_color=»#ffffff» text_hovercolor=»#000000″ bghovercolor=»#ffffff» title_active=»#000000″ title_active_bg=»#ffffff» cnt_bg_color=»#ffffff» icon=»Defaults-circle» new_icon=»Defaults-circle» icon_align=»left» icon_size=»7″ icon_color=»#63858b» icon_hover_color=»#000000″ icon_active_color=»#000000″ extra_class=»interadar» title_alignment=»left» title_font_size=»desktop:13px;» title_line_ht=»desktop:13px;» title_margin=»margin:0px;» title_padding=»padding:0px;» desc_margin=»margin:0px;» desc_padding=»padding:0px;» font_family=»font_family:Comfortaa|font_call:Comfortaa|variant:700″ heading_style=»font-weight:700;»][vc_column_text]1. Líneas:
La primera serie, Líneas, está formada por intervenciones pictóricas sobre interiores arquitectónicos en las que una línea atraviesa el espacio, realizando un corte longitudinal que traza un límite entre norte y sur, un horizonte que proviene de la noción de paisaje. Esta marca distribuye los distintos elementos plásticos que aparecen a lo largo de la serie: extensiones pictóricas, manchas, presencias orgánicas que coexisten en tensión con la tendencia al orden del fondo arquitectónico y que, poco a poco, van generando una mayor entropía, cargando así de simbolismo la imagen.
El empleo de materiales y la adaptación de métodos de la propia construcción permiten una relación más equilibrada entre la intervención y su continente. La pintura industrial, el tiralíneas (con pigmento azul) que se utiliza para delimitar y dibujar sobre el cemento, la cal o el alquitrán, se utilizan también como instrumentos de trabajo a lo largo de la serie.
La obra reflexiona y profundiza en la relación entre las dimensiones presentes en el trabajo. La posibilidad de delimitar un punto de vista determinado hacen que las dos dimensiones de la representación fotográfica creen un juego elástico con su referente arquitectónico tridimensional, convirtiéndolo en un plano, en un lienzo donde la posibilidad de adentrarse reside en la imaginación del espectador.
Se establece así un puente con el referente pictórico abstracto. Forma y color son proyectados directamente sobre el espacio, evidenciando la relación entre la realidad del paisaje construido y su representación.
2. La línea de sombra:
El nombre de esta serie se asocia, por un lado, a la naturaleza acromática y oscura de las intervenciones realizadas en esta etapa y, por otro, a la novela de Joseph Conrad de la que se extrae el título. En el caso de la novela, el título se refiere a un proceso de transición del protagonista que en esta serie se traslada a la evolución desde la línea a la masa y de lo inerte a lo orgánico.
La serie arranca con una línea negra discontinua que enlaza directamente con la serie anterior (Líneas). Ahora el color desaparece para adentrarnos más en la arquitectura, en un intento de formar parte de ella en lugar de dibujarla. De esta manera, la línea se va extendiendo como una enorme mancha, una masa pictórica que se confunde con el entorno alterado por la mano del hombre y en cierto modo desnudado para dejar al descubierto su esqueleto.
Los materiales de intervención vuelven a ser los propios de la construcción, en este caso la pintura negra o el alquitrán empleados para impermeabilizar las partes de la estructura en contacto con las zonas húmedas, naturales y orgánicas, hacia donde se extiende la masa pictórica.
El juego de perspectiva reaparece en las primeras imágenes estableciendo cierta continuidad entre el paisaje natural y el construido. Esta tensión se rompe a mitad de la serie para permitir a la intervención extenderse de manera más libre por la estructura. La última mancha negra representa esa liberación casi orgánica sobre el espacio, imitando así a la naturaleza.
3. Bangkok:
Esta serie se desarrolla desde la latencia, la vida subyacente en toda construcción. El título de la serie se refiere a la circunstancia de haber sido realizada en una construcción en ruinas de Bangkok. Tanto la estructura como el material sobre los que se trabaja son comunes a edificaciones en infinidad de lugares. Frente a la globalización y uniformización con la que se construye masivamente en la actualidad, esta serie reivindica la singularidad de cada espacio.
El hormigón armado sirve de lienzo y de paleta. Una “piedra artificial” sobre la que surgen líquenes y demás manifestaciones naturales que crean formas y dibujos caprichosos, rompiendo su voluntad simétrica y uniforme. El estadio en el que la edificación fue paralizada deja al descubierto su esqueleto, permitiéndonos observar sus imperfecciones. Bordes inacabados, huecos, nos dan acceso al interior de su materia como si pudiéramos introducirnos en sus grietas, metiendo el dedo en la llaga. Quizás por eso las intervenciones en el muro son de color rojo, recordándonos casi a heridas de la arquitectura, sus marcas, su historia impresa en el material. En el suelo otras líneas actúan como reflejo de las anteriores, con un color y forma líquidos que dialogan con la aparición del agua, superficie reflectante que se deja ver en algunos huecos de la arquitectura generando extensiones visuales.
La composición, el color y la relación con el “lienzo arquitectónico” nos acompañan en una progresión pictórica, donde la disminución de la tercera dimensión del espacio y el formato cuadrado nos acercan cada vez más al “cuadro”.
4. Serie negra:
Esta serie establece un intenso diálogo con el paisaje postindustrial de la región donde se enmarca, Asturias.
La localización y exploración de espacios y construcciones en desuso, vestigio de esta herencia arquitectónica, y la recopilación de materiales presentes en las mismas, detona la intervención de las estructuras abandonadas con sus propios elementos, buscando una sencilla transformación del lugar para permitir el reencuentro con su pasado industrial.
El carbón mineral es el material mas identificativo de la zona y todos los elementos que de él se derivan sirven de base para la intervención. El escombro (o ceniza) sobrante de la quema del carbón sirve de pigmento para impregnar los restos de una edificación de ladrillo. Un tubo negro de plástico con forma de acordeón se extiende y apodera de diferentes ruinas. Las láminas cortadas de un tronco quemado se erigen en el paisaje surgiendo del interior de una bocamina en desuso.
Son, por tanto, intervenciones escultóricas que abren diferentes caminos de reactivación y proyección sobre estas construcciones olvidadas, que resisten el paso del tiempo y contienen la memoria del lugar, de sus habitantes y de su uso, en un contexto social actualmente paralizado pero que fue cabeza de la lucha obrera en el norte de España.
5. Arquitectura Oculta:
Utilizando el entorno más inmediato como escenario para una búsqueda artística esta serie se infiltra en diferentes edificaciones del norte de España paralizadas en un limbo que se denominan “obra negra”. Son construcciones inacabadas y que constituyen una suerte de ruina contemporánea. La intervención sirve para reactivar el espacio generando en su interior una nueva realidad.
El material con el que se trabaja a lo largo de la serie es el de las propias barreras de protección de obra abandonadas, listones de madera que son pintados con pigmento flúor, empleado habitualmente en la construcción por su cualidad reflectante. Estas barreras son desplazadas y reconfiguradas para generar composiciones en equilibrio, en una armonía efímera donde los elementos sostienen unos a los otros formando un conjunto inscrito en el espacio.
La escala se pierde ante la ausencia de la referencia humana. Esa alteración de la realidad potenciada a través de la reproducción fotográfica propicia un cambio de reglas en el que la imaginación del espectador toma protagonismo.
Estas composiciones recuerdan a la primera serie (Líneas), pero en este caso ese horizonte pictórico adquiere volumen, se rompe y se distribuye por el espacio, en una intervención escultórica.
6. Re_construcción / Collage Urbano:
El trabajo parte de una serie de pequeñas intervenciones, collages urbanos, a través de la manipulación de restos de materiales de construcción que han sido abandonados en la calle. Estos escombros contienen una memoria y una estética (forma, color, volumen) que permite realizar ejercicios escultóricos in-situ.
Esta labor previa de comprensión de los materiales a pequeña escala da pie a una nueva fase, una serie de composiciones escultóricas realizadas en espacios industriales reconvertidos para la práctica artística: Fabra i Coats en Barcelona, antigua fábrica textil del siglo XIX transformada en centro de arte, y el Kreativquartier de Múnich, zona industrial ocupada en la actualidad por iniciativas artísticas y culturales.
La serie se nutre de materiales reciclados que son inscritos en el espacio para generar instalaciones que son a la vez escultóricas, al tratarse de volúmenes tridimensionales, pero que por medio de la visión desde un punto de vista determinado forman composiciones pictóricas. Esta serie pone de manifiesto sus referentes directos, concretamente el diálogo, desde la distancia, con el Prounenraum (la habitación del Proun) de El Lissisky, extensiva a otros referentes de las vanguardias rusas.
De nuevo el formato fotográfico nos permite trasladar la intervención al lector de imágenes desde una perspectiva determinada, una experiencia concreta del espacio y la manipulación de las dimensiones con la que tanto se ha experimentado en la práctica artística. Esta ventana fotográfica adquiere, por tanto, el mismo estatus que su referente, poniendo a ambos al mismo nivel frente al público.
7. Arquitectura Espontánea:
El proyecto parte de una particular visión sobre la arquitectura popular contemporánea. Un tipo de construcción que se genera de forma espontánea, no regulada, libre.
La observación, documentación y reflexión sobre estas edificaciones genera un corpus de trabajo diverso. Una colección de formas arquitectónicas que parten de su realidad más inmediata capturada a través de una mirada documental. Un archivo que se aglutina en torno al concepto de Arquitectura y resistencia, compilando construcciones donde se mezcla la lógica estructural con la herencia cultural. Una arquitectura libre de representar en sí misma una forma de resistencia frente a condicionantes estéticos o socio-económicos, o que simplemente resisten en pie a pesar de haber sido olvidada o incluso denostada.
A partir de esta colección la fotografía sufre diferentes transformaciones: intervenciones pictóricas, collages y dibujos que buscan la descontextualización y la deconstrucción de estas edificaciones, para abstraer sus formas y transformar sus estructuras de base.
El conjunto forma una suerte de laboratorio arquitectónico, en ocasiones, de gabinete de curiosidades, donde las estructuras y las formas toman protagonismo. Las reglas desaparecen y las edificaciones se apropian de entorno liberándose de complejos. Elementos generalmente ocultos que se reivindican y se retroalimentan.
8. Desvelar_Desplazar:
Esta serie fue realizada en la Antigua Fábrica de Tabacos de Madrid (Tabacalera), un espacio industrial del s. XVIII cuya estructura ha sido consolidada sin llegar a ser transformada, con una parte dedicada a la exhibición de arte contemporáneo y dos plantas superiores clausuradas. La oportunidad de dialogar con un inmenso vacío cuya arquitectura está impregnada de la memoria de su pasado obrero, dio lugar a esta serie de intervenciones lumínicas.
El trabajo se realizó en repetidas visitas nocturnas al espacio. En este caso el material de intervención elegido es la luz, proyectando formas geométricas sencillas extraídas de la propia arquitectura: cuadrados, rectángulos, cubos. Estas formas bidimensionales, arrancadas de su origen, se devuelven de nuevo al espacio acoplándose a él a través de la luz y asimilando su tridimensionalidad. Las proyecciones iluminan partes ocultas de la arquitectura, desvelando detalles de la misma y ofreciendo una nueva interpretación al observador.
La transferencia de esas intervenciones lumínicas al formato fotográfico permite generar una ventana al espectador permitiéndole descubrir partes del edificio cerradas al público y a la vez propone un juego de interpretación entre las formas proyectadas y el propio edificio.
9. CGAC:
Esta serie parte de la invitación para realizar una serie de intervenciones en el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, un emblemático espacio museístico del arquitecto portugués Álvaro Siza. En esta ocasión el contexto arquitectónico es tan poderoso que el trabajo aborda un diálogo con el edificio para poner de manifiesto elementos de su estructura activados a través de la intervención.
Como concepción de partida, un prisma blanco, eco del interior del museo. Este prisma se fractura, se expande y se contrae siguiendo la voluntad de la arquitectura. De nuevo, la luz como elemento de intervención llevada a su mínima expresión: la proyección de un rectángulo blanco permite que éste se amolde a las formas del museo, generando imágenes sencillas pero a la vez poderosas, poniendo de relieve la fuerza de la arquitectura con la que establece contacto.
La ausencia de color del edificio se traspasa a la imagen, circundada por el negro de las partes veladas, aún así intuidas por la reflexión de la luz. Los ritmos, las tensiones, el cuerpo del edificio se manifiesta en cada una de sus esquinas permitiéndonos descubrir un nuevo espacio. El continente transformado en contenido.
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Ha realizado exposiciones individuales en museos como la Maison Européenne de la Photographie (París), el CGAC de (Santiago de Compostela), MARCO (Vigo), Palexco (A Coruña), Institut Français (Madrid), OCEMX (Méjico DF) y en galerías como la Solo Galerie (París), Galería Moriarty (Madrid), Kwanhoon Gallery (Seúl), Galería Taché (Barcelona) o la PABLO Gallery (Manila). Ha realizado piezas site specific para la I Manila Biennale, Tabacalera (Madrid), Kreativquartier (Munich), 42 Salón Nacional de artistas (Cartagena de Indias) y participado en el Pabellón de España de la XV Bienal de Venecia de Arquitectura (premiado con el León de Oro) entre otros.[/mpc_callout][/ultimate_exp_section][/vc_column_inner][vc_column_inner width=»1/3″][us_image_slider ids=»4730,4731,4732,4733,4734,4735,4736,4737,4738″ meta=»1″ fullscreen=»1″ img_size=»full» img_fit=»contain»][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]