Hay entornos protegidos, entornos patrimoniales en los que los estudiosos imponen condiciones que muchas veces los convierten en lugares muertos; donde el fracaso de la incompetencia humana se hace palpable, y que, sin embargo, los mantiene congelados en un momento de la historia, los acota en perímetros regulares, y deja sin normativa el territorio de las fronteras exteriores.

En el entorno… y todo es entorno, debemos buscar los eslabones para confirmar nuestras dudas.

El arquitecto -ese loco por el tema de la arquitectura- que conoce la inexistencia de la exactitud del ingeniero, sabe de las mil alternativas para un mismo tema, busca entre las preguntas al entorno, las mezcla con lo que le sugiere la función y, en su cabeza, esas obsesiones, matizan la forma.

Hasta aquí la teoría resumida del proceso con el que los arquitectos conviven a diario para sus quehaceres.

El paso del tiempo y la vejez, nos han hecho ver que no es tan difícil; que lo que los italianos llaman “la domanda del luogo” es bastante real si sabemos escuchar al entorno. Que siempre existe un punto de vista, una orientación, una preexistencia a la que mirar y dar la mano, con la que hablar y escuchar sus sabias vivencias, no para copiarlas…, solo para interpretarlas.

El lugar tiene mucho que decir…. Solo debemos escuchar.

No basta con mirar, el arquitecto debe dar una solución que tiene forma, que ocupa volúmenes que, en su materialidad, contendrá una determinada “función”, y aquí la funcionalidad del edificio debe aliarse con el lugar y de nuevo aparecerá el dialogo que une sus historias, para conseguir que se den la mano y se complementen.

“Función que busca su esencia para justificar su forma en un contexto concreto”, sin duda es la idea que da vida a la arquitectura.

La justificación del proceso constructivo siempre se inicia por la necesidad de satisfacer un determinado uso que será: estático o dinámico, contemplativo o violento, solitario o de multitudes, y su forma vendrá sugerida por su actividad.

Cada arquitecto es un mundo que pertenece a una sociedad, y sus vivencias han condicionado su manera de sentir y su proceso de meditar a la hora de interpretar un lugar y de analizar las sugerencias que la funcionalidad del edificio debe aportar a la solución formal de la arquitectura, y desde estas premisas intentaré explicar la solución de forma en dos lugares concretos, de dos funciones similares.

Archivo de Toledo

Toledo, ciudad reconocida como Patrimonio de la Humanidad, donde han convivido tres culturas que aportan sus preexistencias en un tejido urbano apretado por la historia.

En la parte más alta, justo encima de la catedral, los restos de un convento.

El convento de los trinitarios descalzos, que el devenir del tiempo le despoja de la parte conventual y deja el corte traumático de los muros de la iglesia.

En esta situación, el ayuntamiento plantea la recuperación de la iglesia como centro cultural y la construcción de algo nuevo que albergue el Archivo Municipal.

La recuperación de una ruina está muy relacionada con su grado de deterior.

La nave central -en buen estado-, solo pedía consolidarla y despojarla de aderezos que de algún modo hiciesen profana una imagen religiosa, y de esta manera el altar barroco se sustituye por un doble fondo de escenario, arropado por pasarelas altas, de focos y megafonías.

En la sacristía y coros el derrumbe de sus bóvedas justifica la construcción de losas de hormigón que avanzan la solución de los muros exteriores.

El espacio de la nave de la iglesia se transforma en centro para la cultura, tanto será auditorio como área de exposiciones o restauración.

El derrumbe de la parte conventual, liberó un espacio ajeno al tejido apretado de la villa medieval.

Reescribir una nueva arquitectura entre los restos de otra, era el reto que complica la proximidad.

El desconcierto del derribo merecía un fondo nuevo.

“Y entendiendo que la fuerza de la arquitectura, muchas veces radica en la claridad del gesto…”, seguimos las trazas del antiguo claustro y configuramos un inmenso muro que a modo de gran zócalo pone en valoración lo realmente digno del edificio primitivo, que a nuestro modo de ver era la monumental volumetría de la iglesia con sus naves laterales y la sacristía.

Buscábamos la potencia de una arquitectura muraría, tan común y tan dentro de los invariantes de nuestras ciudades. Y siguiendo con el muro provocábamos grandes huecos que de forma distinta ponían en valoración las transparencias de patios interiores.

De esta manera y por estos pasos, recuperamos para la nueva fachada, elementos subjetivos que nos hablan de sorpresa, de transparencias y de claro oscuros, justificados desde la necesidad funcional.

El muro lo construimos en hormigón. Y aquí debemos abrir un paréntesis, porque esta decisión merece ser comentada, ya que, durante la construcción, fueron muchas las denuncias y las voces que protestaron por la utilización del hormigón en una ciudad patrimonio de la humanidad. Pensamos que el hormigón es intemporal, lo utilizaron los romanos, los árabes y en nuestros días sigue siendo actual.

Lo que realmente tiene el hormigón es la magia de la reacción química de sus componentes, y cuando se piensa en este material se descubre su lógica para conformarse en muro.

Pero este muro debía entonar con los dorados de Toledo, y se consiguió mediante colorantes naturales embebidos en su masa, y así resultó un hormigón de color. Se cuidó de forma especial la tabla de madera de los encofrados, y a veces el encofrado se realizó mediante elementos de gruesos chapones de acero que quedaron perdidos formando embocaduras de huecos y linternas.

Nuestras obsesiones buscan siempre esos espacios imposibles de Piranessi, donde la magia, en tránsitos y estancias, juega con la percepción de las sorpresas.

Porque la arquitectura también es sorpresa que alimenta la curiosidad del ser humano, y que provoca la apetencia del recorrido.

El espacio que siempre se valora en la sección, se aprieta en la entrada y en el giro crece y envuelve sin dar importancia al fundamento de la función, que es contener los documentos.

Este espacio se matiza con la suave luz que reflejan las fabricas doradas de ladrillo, y aun sabiendo que el enemigo del documento es la luz, permitimos el acceso de un suave rayo por sus tres orientaciones desde las linternas altas de los muros.

Los restos arqueológicos, como preexistencias muy antiguas, forman parte de la sala como un documento más de la historia.

Y por fuera la nueva arquitectura marca, con lenguaje nuevo, la respetabilidad del viejo.

El Archivo de Oaxaca

El pequeño Archivo de Toledo, a los veinte años de su construcción se hace grande en Oaxaca por voluntad de un gran mecenas mexicano.

De nuevo, una ciudad patrimonio de la Humanidad, congelada en el uso; muy vitalizada por el turismo y donde la reglamentación impone sus normas estrictas a formas y materiales.

En el extrarradio -en el pequeño municipio de Santa Lucía- se encuentran las canteras, de donde se extrajo la piedra verde que construyó la ciudad.

En este llamado parque de las Canteras de 12.000 m2 debía ubicarse el Archivo Histórico del Estado de Oaxaca, el segundo archivo más importante de los Estados Unidos Mexicanos.

El Parque debía condicionar la arquitectura del Archivo y viceversa.

El Archivo no podía ser un elefante blanco que impactase de manera hermética en el territorio y quisimos evitarlo.

Habitar la arquitectura y humanizar el paisaje son las premisas que nos han movido, y de las que debe partir cualquier arquitectura.

La complejidad de la arquitectura del edificio pasó a segundo término hasta descubrir la esencia del entorno -las preexistencias de un lugar donde la extracción de la piedra había provocado el afloramiento del agua, y donde piedra y agua se descubrían como ingredientes formales para definir el parque.

Una topografía sinuosa que debía ser amable en todos sus caminos, y en donde se tenía la oportunidad de realizar un parque único que uniese la cultura, el deporte, el ocio y el negocio.

Y lo que es más importante, todas estas nuevas actividades se planteaban de nueva cuña, en un extenso y completo programa que el proyecto podía matizar.

El recorrido amable, sin control ni restricciones a lo largo de todo el parque incluía el interior de los edificios, y se convirtió en nuestra obsesión.

Teníamos que ser capaces de permitir que, como en una banda de Moebius, la circulación fuese continua y contemplativa, y siempre acompañada por el agua que lustrase el color de la piedra verde.

Seis meses de abundancia de un agua que se pierde; y otros tantos de sequedad terrible, aconsejan llenar las pozas que abrieron las canteras.

Las premisas de donde partir aclaraban el salto al vacío del papel en blanco y de nuevo: la pregunta al lugar, que con sus preexistencias aportan certezas, a la arquitectura.

Un clima de privilegio y una vegetación consolidada aconsejan la manera de distribuir los patios, los espacios a los que abrir las estancias, y de esta manera se conforma la volumetría del edificio en torno a los vacíos -que organiza la vegetación- apareciendo la trama que articula la función.

Las gentes del parque debían poder acceder al edificio sin control alguno.

Los dos vestíbulos de entrada, muy distintos entre si -ubicados en distintas cotas- se unen por el interior en una secuencia de patios ajardinados, permitiendo el ingreso al auditorio, seminarios, bibliotecas, salas de exposiciones, cafetería y, sorprenderse al final con el impacto del vestíbulo principal.

De nuevo la secuencia del tránsito y el factor sorpresa como ingrediente emocional de la arquitectura.

De nuevo la transparencia que ayuda a la ventilación cruzada y permite olvidarnos del aire acondicionado.

Y de nuevo reinterpretar la función para justificar vivencias nuevas que convierten al auditorio en espacio versátil, más allá de la pura conferencia.

Su recorrido no interfiere en la actividad privada de la recuperación del documento, pero de alguna forma se beneficia de ella, y la justifica.

Al final, en el vestíbulo principal, se muestra mediante dos huecos, lo que significa el edificio. Un hueco alto se abre a la sala de los investigadores, a los estudiosos que analizan los documentos de la historia. Otro bajo nos muestra la parte publica de la sala de exposiciones, y lo que es más importante, nos enseña los caminos para llegar.

La arquitectura pública debe quedar bien en público y su componente de representatividad siempre será un valor añadido que puede y debe justificar algún exceso.

Se manifiesta como acceso principal, y de nuevo como sin darse cuenta el recorrido se abre al exterior…. Y continua por el parque.

La arquitectura que observa al entorno, se hace austera en sus gestos y en sus materiales, y parece como si se alejase del tiempo, como queriendo unirse a los adobes de tierra de los Zapotecos y Mixtecos, que se protege del sismo y de las sobrecargas de los documentos en gruesos muros de concreto de color.

La función que obliga a la aireación y a la privacidad, justifica celosías que aparecen de un subconsciente obsesivo en imágenes de antaño.

Cuando nos referimos al Valle del Colca en particular, resaltamos su reconocido valor que ha sido forjado cuidadosamente de la mano del hombre y a través de siglos, pero que ha mantenido casi inalterado su paisaje natural. Conocemos que sus habitantes comparten elementos culturales constituidos a lo largo de muchos años y que se han ido modificando de acuerdo al desarrollo histórico, con la presencia de distintas culturas que aportaron en su paso rasgos particulares que identifican el paisaje construido en un medio natural de singular deleite.

Sin embargo somos muchas veces testigos inmutables, de cambios tergiversados con la excusa de modernidad y desarrollo; comprobamos que paulatinamente se realizan acciones depredadoras de la historia, la cultura, la identidad y la sociedad.

Tomando en cuenta ello, nuestra propuesta de trabajo en el Valle del Colca no se orienta estrictamente en la intervención física del bien, sino que esta intervención pretende contener un carácter más amplio: ser un modelo que afiance las relaciones y la identidad local, permitir el arraigo y la fortaleza de los lazos tradicionales, pero sobre todo que estos bienes colectivos sean un recurso inmediato y a largo plazo de desarrollo sostenible.

Este artículo me permite dar a conocer una parte del trabajo de la Cooperación Española asociada con las municipalidades del Colca y el Ministerio de Cultura Regional Arequipa. La participación y compromiso de un gran equipo de profesionales y técnicos que permitió desarrollar estas acciones que se diseñaron desde el Proyecto de Desarrollo Integral del Patrimonio Cultural Colca. Sin embargo, creemos que el pilar fundamental de esta tarea es sin duda la participación de la población, mujeres y varones que siempre mostraron su interés por brindar sus conocimientos ancestrales y mostrarse llanos a aprender técnicas que se habían olvidado.

En esta oportunidad comparto dos experiencias desarrolladas por el Proyecto:

1. Restauración y puesta en valor del Área Monumental de Coporaque

Ganador de la XV Bienal de Arquitectura Peruana.

• Hexágono de Oro.
• Hexágono de Plata – Macro Región Sur.
• Primer puesto – Macro Región Sur.

El proyecto y la intervención en el Área Monumental de Coporaque, proponen que los diferentes espacios que se relacionan entorno al Templo, una vez restaurados y rehabilitados,  sirvan adecuadamente para dinamizar la cultura, las interrelaciones comunales, la valoración y protagonismo de las tradiciones ancestrales. Plantea también la participación y capacitación técnica del poblador local en las obras, promoviendo el capital humano que además de motivar el sentido de pertenencia y conocimiento de su patrimonio, garantiza la conservación y mantenimiento futuro del bien. La intervención también constituye una alternativa para la generación de actividades económicas rentables para la población y una herramienta de desarrollo integral para las instituciones estatales locales.

En el aspecto técnico arquitectónico se ha incidido en el compromiso por asumir la mínima intervención con el uso de materiales y sistemas constructivos tradicionales.

El conjunto religioso de Coporaque, que se construyó paulatinamente desde el año 1563 se ubica en un área privilegiada próxima a la plaza principal del distrito. Son cuatro los sectores que componen este conjunto monumental, de manera que planteamos el mismo número de etapas de intervención:

PRIMERA ETAPA – Restauración de la Capilla San Sebastián. La capilla se encuentra ubicada en la antigua Plaza del Hospital, construida en 1565 por los franciscanos y que fuera utilizada como recinto religioso mientras se construía el templo Santiago Apóstol. Este bien declarado patrimonio de la nación es identificado por los historiadores como la edificación colonial más antigua en Valle del Colca.

Es una edificación con influencia renacentista, tiene planta rectangular fortificada con contrafuertes de piedra en el frontis y muro testero. Su cobertura original de ichu o paja de puna fue reemplazada por teja en el siglo XIX, sus muros fueron construidos con piedra rústica canteada y asentada con mortero de barro. Hasta su restauración no tenía cubierta y sus muros estaban parcialmente derruidos y con muchos problemas de estabilidad general. La portada de piedra labrada se hallaba casi inalterada, pues se había conservado gracias a una cubierta metálica, que aunque precaria era funcional. Antes de la intervención la capilla era utilizada como corral de ganado y en ocasiones sitio de resguardo de toros de lidia en sus ferias taurinas. Los andenes de cultivo cubrían gran parte del muro lateral de la epístola.

En las obras de restauración se priorizó el criterio de mínima intervención conservando los materiales y técnicas tradicionales de acuerdo a las evidencias halladas. El proceso involucra la consolidación de los muros de piedra rústica y la portada de piedra labrada, la reconstrucción de la cubierta se rige al modelo de los tímpanos encontrados, adecuando la estructura de madera rolliza con el sistema de par y nudillo, carrizo, torta de barro y teja cerámica artesanal. En los pisos se adecuó piedra laja al interior y piedra canto rodado en el exterior.

SEGUNDA ETAPA – Recuperación de la antigua Plaza del Hospital. La construcción de la Plaza del Hospital se remonta al siglo XVII, también construida  por los franciscanos. Formaba parte del conjunto que integraba la Capilla de San Sebastián, la capilla Santa Úrsula y del Templo Santiago Apóstol.

En el siglo XX la plaza fue invadida por construcciones de carácter precario, gran parte del área libre fue ocupada por un coso taurino alterando la relación espacial y funcional entre el templo y la capilla San Sebastián.

La intervención en la antigua Plaza del Hospital, dada la falta de indicios constructivos, proponía una alternativa contemporánea pero con características adecuadas al entorno, planteamiento que fue socializado y debatido con las instituciones y población local.

La nueva propuesta incluye la construcción de una galería construida en piedra destinada a la producción y venta de artesanía local. Actualmente la población y autoridades la denominan como Plaza de la Cruz, en la que se desarrollan encuentros sociales, además de adecuarse escenarios para actividades tradicionales que incluyen ferias, festivales y fiestas populares.

TERCERA ETAPA – Restauración del Templo Santiago Apóstol. Construido entre los siglos XVI y XVII, es considerada como la más importante edificación dentro del conjunto monumental. Siendo este templo uno de los más antiguos, estimamos importante mencionar cómo y porqué se construyen estos monumentos, por ello  acotamos la ordenanza y manifiesto del Comisario General de la Provincia Franciscana del Perú Jerónimo de Villacarrillo a sus sacerdotes de la época, que a la letra dice: “… las huacas y adoratorios, donde el demonio era adorado, se demoliesen y derribasen, y en su lugar se edificasen y levantasen templos para culto del Dios verdadero…”.

El templo está dispuesto sobre una diferencia topográfica que marca un nivel superior con relación a la plaza principal del distrito, es de una sola nave y al interior se hallan austeros elementos neoclásicos y lienzos de excepcional calidad y temática.

La restauración arquitectónica implicó la consolidación de los muros y contrafuertes. La portada de piedra labrada tuvo un tratamiento riguroso por presencia de agrietamientos desde la capilla abierta hasta sus bases. Las dos torres y campanarios se separaron de la portada como consecuencia de los constantes sismos. Toda la estructura de la cubierta de calamina fue restituida por teja cerámica y soporte de madera con sistema de par y nudillo. El piso de piedra sillar del interior se reacondicionó con los mismos elementos. Las obras de arte y bienes muebles se restauraron en su totalidad.

La intervención en este bien va relacionada con la dinamización económica que conlleva a lograr mejor calidad de vida en estos modestos poblados, El patrimonio recuperado consolida y construye la identidad cultural pero a la vez debe convertirse en recurso potencial para el turismo.

CUARTA ETAPA – Reconstrucción y Rehabilitación de la antigua casa cural. En la colonia, la casa de la parroquia albergaba un conjunto de varias edificaciones que se construyeron al lado de la epístola del templo. En su época, fue la construcción más representativa de la comunidad católica. Las crónicas nos revelan que:“Estaba ubicada contigua a la Iglesia y tenía un cerco alto que rodeaba las construcciones hasta cerrar la manzana. El patio principal era amplio con un pequeño huerto y un manzano al medio remedando la estructura claustral e incorporaba un conjunto de habitaciones a partir de la sacristía de la Iglesia, entre las que encontraba “la vivienda principal” con cuatro habitaciones con cubierta de madera y teja. La relación que existió entre la iglesia y el conjunto, se dio preponderantemente a través de la sacristía”.

Los constantes movimientos sísmicos, el irregular mantenimiento y la ausencia de sacerdotes en el siglo XX, conllevaron a que estas estructuras se perdieran al punto de  componer un grupo de ruinas con pequeños rastros de pisos, canales y cimientos. La reconstrucción toma como base las pocas evidencias de lo hallado y los ejes preexistentes. Los materiales y el sistema constructivo empleados son tradicionales. Se recurre a la piedra y adobe para cimentaciones y muros, en la cubierta se emplea una estructura de par y nudillo con rollizos, encarrizado y techumbre de teja cerámica artesanal. El revestimiento de las paredes interiores y exteriores lleva mortero de barro y encalado con aplicaciones de tierras de color. Los pisos interiores son de ladrillo pastelero de fábrica artesanal.

El conjunto de ambientes fueron reconstruidos y habilitados para el funcionamiento de una Casa de Cultura, ahora gestionada por la municipalidad y una asociación local, donde se generan actividades  relacionadas al arte y las expresiones vivas de la población además de la oportunidad de mostrar sus tradiciones ancestrales y su continua creatividad popular.

2. Vivienda rural y habitabilidad básica en el Valle del Colca

Ganador del segundo premio en la XVIII Bienal Panamericana de Arquitectura Quito 2012 – Concurso mundial “Hábitat social y desarrollo“.

Mejora de Viviendas Rurales en el Valle del Colca.

Mención internacional honrosa en la XIX Bienal Panamericana de Arquitectura Quito 2014.

Vivienda Rural en el Distrito de Sibayo.

En el Valle del Colca aún podemos encontrar un gran número de personas que habitan en situación de pobreza y extrema pobreza. Sus hogares se acondicionan en viviendas totalmente precarias, construidas con materiales de la zona pero sin criterios técnicos constructivos  ni soluciones espaciales apropiadas para el desarrollo humano. Muchas de estas viviendas cuentan con servicios básicos de agua y desagüe pero sus instalaciones no son las más idóneas.

Esta condición de precariedad obliga a muchas familias a abandonar su lugar de origen, o en algunos casos, disponer el traslado de sus hijos a ciudades que les pueda brindar mayores comodidades, perdiéndose el vínculo con su territorio.

Con el proyecto de Vivienda Rural y Habitabilidad Básica se quiere mejorar las condiciones de vida de los pobladores en situación de pobreza a través de una vivienda digna y saludable con las características de confort que el lugar y el habitante exige, haciendo además que sus características constructivas sean compatibles con su identidad, sus costumbres y tradiciones, además del respeto y sostenibilidad de su territorio.

El proyecto busca la conservación y utilización del material y sistema de construcción tradicional de bajo costo, poniendo además en práctica un modelo de desarrollo urbano rural compatible con el contexto cultural y natural.

La propuesta incorpora sistemas sismo-resistentes y planteamientos bioclimáticos para optimizar su respuesta frente al clima extremo de la región y a la recurrencia de sismos.

Se propone la participación directa de las familias beneficiarias en la ejecución de las obras (bajo la modalidad de autoconstrucción). Para ello se capacita, en técnicas de construcción al participante-beneficiario. Las viviendas construidas son básicas, siendo sin embargo, el modelo o primera fase del conjunto habitacional que necesita una familia rural promedio.

Planteamos también el concepto de “vivienda productiva”, destinando los ambientes al turismo vivencial, a un pequeño comercio, taller artesanal y restaurante turístico, de manera que la infraestructura contribuya a mejorar las condiciones económicas del propietario.

El programa ha desarrollado hasta la fecha más de 160 viviendas distribuidas en 10 distritos del Valle del Colca. El área construida es de 45 m2 y el costo de edificación se distribuye en tres partes: 70 % aporte de la Cooperación Española, 15 % aporte del propietario y 15 % aporte de la municipalidad distrital.

Este artículo entonces replantea y amplía el publicado en 2014, a partir de nuevas experiencias en estos últimos años con el proyecto de la Sala Beckett y la reciente instalación de este proyecto en la Bienal de Venecia, como un lugar donde reflexionar y presentar nuestra posición sobre este tema a una comunidad amplia de colegas de la profesión y a la sociedad en general.

Dibujar el tiempo. Trabajar en edificios antiguos tiene la ventaja de no haber participado en su creación, y así poder jugar el papel de observador. El trabajo comienza observando cosas que han hecho otros. Observar dibujando, registrarlo todo. En el Museo de los Molinos de Palma, la mirada oscilaba constantemente desde esa construcción hacia la obra de Carlo Scarpa, una influencia inmediata en esos primeros años de trabajo. Sin embargo, si en la obra de Scarpa los diferentes momentos históricos por los que pasa el edificio se definen y separan para que el visitante los pueda reconocer y pueda reconstruir su evolución en el tiempo, poco a poco comenzamos a ser críticos con esa actitud, pensando que la separación del resultado en tiempos identificables lo fragmentaba todo demasiado, y la cantidad de detalles preciosos competían por captar la atención del ojo del observador.

Comenzamos a pensar entonces que preferíamos una experiencia más subconsciente al recorrer el edificio, que el resultado fuera más disuelto, más parecido a aquella suma discreta y calmada que es la ruina cuando se presenta como tal, que nos espera paciente y en silencio para que la valoremos. Esa ruina, que describe el paso del tiempo en los rastros que han ido quedando a la vista, no separa sus tiempos, sino que los une y convierte el edificio en un palimpsesto.

Museo de los Molinos. Palma de Mallorca, 1998-2002. Foto Duccio Malagamba.

Aceptar la suma de historia encontrada en un edificio existente es una disciplina, es aceptar el fantasma que está presente en toda la vida de un edificio como la cualidad física que el tiempo otorga a las cosas. Éste es el estado que nos interesa: valorar todas esas vidas con una mirada equivalente, donde ninguna prevalece sobre las demás, sin un interés por saber qué vino antes y qué después, dónde comienza una época y dónde acaba otra. Así que con el tiempo dejamos de mirar a Scarpa para mirar más a Borromini o a Jujol, con su capacidad de deformar transformando los edificios; un trabajo de metamorfosis que modifica lo que encuentra a partir de la propia fuerza de lo existente, de su propia geometría, tomando inercia para salir de ahí y amplificarlo llevándolo a otra dimensión. El resultado posee mucho de lo encontrado al inicio; esta base queda deformada pero reconocible en el nuevo conjunto. Nuestro trabajo, por lo tanto, ha ido girando de una actitud a otra, y esto sucedió en medio del desarrollo de cuatro proyectos de rehabilitación que llenan nuestro estudio, desde el año 2000 hasta hoy: el Museo de los Molinos, el Centro Cultural Casal Balaguer, la Casa Providencia y el Teatro y Centro de Dramaturgia Sala Beckett en Barcelona.

Museo de los Molinos. Palma de Mallorca, 1998-2002. Foto Duccio Malagamba.

Luz natural. En el Museo de los Molinos de Mallorca trabajamos amplificando cualidades y geometrías que ya estaban en ese edificio, deformándolas hasta conseguir multiplicar su influencia sobre el espacio que las contiene, ayudando de este modo a acomodar el nuevo programa. El antiguo molino pasa de ser un almacén de grano a un museo para la ciudad. Este cambio de uso privado a público provoca que los espacios necesiten ahora más volumen, más dimensión y escala, y es ahí donde comienza la primera excavación, la del suelo del edificio, que rebajamos un metro desde la altura inicial hasta la definitiva.

El edificio acepta esta actuación sin dificultad, pues parece tratarse de una construcción hecha desde el propio lugar: al utilizar la misma piedra que conforma el suelo de esta isla, nace de la colina en la que se apoya. Su interior, protegido por anchos muros, se asemeja a una gruta, a la que accedemos luego de un grueso traspaso, llegando a esas bóvedas que podríamos creer que sostienen una montaña encima de su cabeza. Por tanto, el trabajo aquí es de excavación, dejando entrar rayos de luz a la exposición, con un acabado de las superficies interiores muy unitario, como si realmente se tratara de una montaña excavada. Solo la luz da forma a esos espacios, nada la interrumpe en su camino. Bajando con tanta fuerza que pareciera deformar los planos que encuentra a su paso, se hace evidente en las pequeñas rugosidades de las superficies que la contienen. Vemos la luz apoyada en estos planos, llenando esos gordos lucernarios que la esperan al bajar, y toda la experiencia se concentra ahí: luz y masa.

Ese poder hipnótico de la luz en su recorrido, desde la entrada en lo alto hasta la base, se convierte para nosotros en un tema de trabajo que acompaña los programas y los usos, permitiéndonos oscilar entre un tema común a uno privado de nuestro estudio, en un vaivén constante donde un asunto ayuda a resolver el otro. Al final, el proyecto se convierte en una única cosa en que cualidad espacial, luz y programa no pueden separarse, no pudiéndose distinguir quién ha generado a quién.

Museo de los Molinos. Palma de Mallorca, 1998-2002. Plano de lucernarios. Dibujo de Eva Prats.

Museo de los Molinos. Palma de Mallorca, 1998-2002. Foto Hisao Suzuki.

Usar la historia sin distancia. Dibujar el edificio existente durante mucho tiempo nos da la autoridad para decidir sobre él, y la confianza para trabajar sobre lo encontrado sin separaciones físicas ni temporales: si la observación no distingue tiempos, la acción no debe tener distancias. Actuamos desde su propio interior, en un pensamiento directo que transforma el edificio con la decisión de volver a ocuparlo, de darle una nueva etapa, de alargar su vida. Las nuevas intervenciones se incorporan llegando a confundirse con las demás sin hacer prevalecer una etapa sobre otra, apareciendo a nuestros ojos como si ya hubieran existido.

Casa Providencia. Barcelona, 2002-2008. Patio de planta segunda. Foto Hisao Suzuki.

Casa Providencia. Barcelona, 2002-2008.

El Centro Cultural Casal Balaguer de Palma de Mallorca se dibujó entre 1996 y 2002, y se acabó de construir en 2016. Aquí, el trabajo con la luz natural se unió a la necesidad de aclarar la circulación por un edificio cuya superposición de épocas en su crecimiento lo habían convertido en laberíntico y confuso, resultado de generaciones distintas que habían ocupado este lugar.

Casal Balaguer, Palma. 1996-2016. Axonométrica.

El palacio, con origen en el siglo XIV, reformado en el XVI y ampliado en el XVIII, debía pasar de ser una casa de familia aristocrática a ser un edificio público abierto a toda la ciudad. Era necesario acceder a zonas antes cerradas, activar estancias abandonadas y diseñar una circulación intuitiva que facilitara la comprensión de una geometría tan compleja. Para esto, unimos luz y circulación, permitiendo que la luz natural guiara el recorrido pero evitando la pérdida de ese misterio y complejidad espacial que ha acompañado su crecimiento hasta hoy.

Casal Balaguer, Palma. 1996-2016. Patio de ingreso con galería de exposiciones. Foto José Hevia.

Casal Balaguer, Palma. 1996-2016. Galería de exposiciones. Foto Adrià Goula.

Sala Beckett, Barcelona. 2011-2016. Vestíbulo de planta baja. Foto Adrià Goula.

El proyecto del nuevo Teatro y Centro de Dramaturgia Sala Beckett parte de la observación intensa de la antigua construcción, la Cooperativa Obrera Paz y Justicia del barrio de Poblenou en Barcelona, contando mucho con ella para adaptarla al nuevo programa. Una de las cosas más impresionantes del estado original de este edificio era la escala tan generosa de sus espacios, una cualidad que funcionaba muy bien para una actividad de creación, experimentación y formación teatral. Las enormes dimensiones de esos interiores, casi sin pilares que los interrumpieran, eran ideales para hacer teatro. También la decoración aplicada de molduras, baldosas, cristales, rosetones, mosaicos, ventanas y puertas nos interesaban, ya que era lo que reflejaba el momento cultural y social en que se había creado ese edificio, y que convertían esas grandes naves en un lugar de disfrute y celebración del tiempo libre.

Cooperativa Paz y Justicia en 2011. Antiguo Café de planta primera. Foto Adrià Goula.

Pero sobre todo encontramos un edificio cuyas paredes y techos estaban cargados de historias y de emociones, salpicadas de las vidas de quienes lo habían ocupado durante tantos años. Esos rastros y cicatrices en las superficies de todos los espacios era la atmósfera que queríamos para el nuevo centro, para así asegurarnos que éste comenzaría a funcionar en un lugar que no era nuevo y aséptico, sino un lugar con tiempo acumulado, de segunda mano… ya en uso antes de llegar. Todas las etapas por las que había pasado esta construcción nos interesaban por igual: su inicio en 1924, su reforma en los años 50s, el abandono de los años 80s y 90s, la lluvia entrando por las cubiertas rotas, las palomas, los okupas, la propia acción de la constructora en el hacer del nuevo proyecto… sin decidir que una etapa era más importante que las demás. El proyecto incorpora toda esa historia acumulada, todas las etapas por igual, recuperando la memoria social de un barrio que había tenido este edificio como centro de su vida social y cultural, tal vez el valor más grande que contenía y que podía regalar al nuevo centro de creación teatral.

Cooperativa Paz y Justicia en 2011. Antiguo teatro de planta primera. Foto Adrià Goula.

Sala Beckett, Barcelona. 2011-2016. Teatro de la planta primera. Foto Adrià Goula.

Dibujamos el nuevo programa a partir de la geometría rectangular de las tres naves originales, contando con ella y transformándola a la vez, dibujando encima de un proyecto que nos gustaba pero que ahora debía cambiar para dar paso a un nuevo uso que aprovechaba algunas partes y modificaba otras. Para que la nueva Beckett funcionara como un gran centro de dramaturgia, una única actividad que uniera todo el edificio, introdujimos luz en el centro de la planta, juntándola a la circulación. Es una fuerza vertical que permite entender la sección del edificio en el mismo momento de entrar, mirar hacia arriba y escuchar voces y movimiento de estudiantes y actores, el edificio se acciona en vertical y uno quiere subir a ver qué pasa ahí. Esa luz con volumen llena por completo la sección y le quita gravedad al edificio, que se siente ligero, contrapesando el peso de la memoria que impregna el lugar. El centro del edificio es este gran vestíbulo lleno de voces y de luz, de miradas y diálogos cruzados, un lugar muy teatral. En realidad en este centro que se alza en vertical y se estira hacia el fondo de la parcela para incorporar todos los usos a su alrededor, para abrazarlo todo, es donde la vida del teatro sucede. Aquí, en la nueva Beckett, el teatro ya no está solo en las salas destinadas a ello: la actividad teatral ha salido de ellas y se ha repartido por todo el edificio, contagiándolo todo e invadiendo todo. El teatro está en todo el edificio.

Sala Beckett, Barcelona. 2011-2016. Confecciones. Foto Adrià Goula.

La herencia. En todos los proyectos presentados, a pesar de sus diferencias por la evolución del pensamiento, el resultado es una nueva generación, con cosas heredadas y cosas nuevas. Tal como lo entendemos, se trata de un trabajo de deformación que toma lo viejo y dibuja a partir de él. Es una metamorfosis geométrica, pero también de materiales, de proporciones de vacíos y dimensiones.

Sala Beckett, Barcelona. 2011-2016. Bar Beckett. Foto Adrià Goula.

La distancia de tiempo que nos separa de estos edificios es de cientos de años, y a su vez pasamos de un uso privado a uno público, lo que hace que cambien sus cualidades espaciales. La nueva función nos da la libertad para dibujar un nuevo edificio dentro del anterior, investigando sobre las cualidades físicas y espaciales de la nueva construcción. Tomarlo como una construcción, sin las constricciones propias del uso para el que estaba destinado, nos permite dejar de verlo como un edificio de dimensiones domésticas, y pasar a valorar sus cualidades espaciales y físicas como el inicio de una nueva ocupación.

Sala Beckett, Barcelona. 2011-2016. Lucernario en planta primera. Foto Adrià Goula.

Descubrir la condición de inacabado del antiguo edificio hace pensar que las acciones sobre él no han terminado, que se trata de algo en evolución, imperfecto, resultado de la suma de etapas en la que la nuestra sólo es una más, no la última. Este diálogo parte de la confianza en lo que encontramos, de una observación positiva que lo valora y respeta como signos de una ocupación anterior, dando al proyecto un sentido temporal que hace que pase a formar parte de esa herencia, donde al final no sea posible reconocer de qué tiempo es ese lugar.

La necesidad

La escuela crece es una iniciativa que se pone en marcha en la Escuela Superior de Diseño de Madrid durante el curso 2013-14 para hacer frente a la acuciante necesidad de espacio que ésta padece. En este centro se ofertan, desde su creación en el año 2011, los títulos Superiores de Diseño en las cuatro especialidades: Gráfico, Moda, Producto, e Interiores.

Si tenemos en cuenta que, actualmente, en la escuela hay matriculados más de setecientos alumnos, y que el edificio en el que se ubica no ha experimentado ninguna ampliación de superficie desde que fue construido en 1965 para ciento setenta y dos alumnos, podemos hacernos una idea bastante clara de hasta qué punto esta necesidad es importante.

Inicialmente, se urgió a las autoridades educativas para que ofreciesen una solución a la misma por entender que eran éstas las responsables de la situación. Se les propusieron diferentes opciones que pasaban por el traslado a otra sede más grande, la construcción de un nuevo pabellón en el suelo libre que hay en la parcela de la escuela, o la ampliación mediante una edificación anexa al edificio existente. Todas fueron bien recibidas pero, finalmente, ninguna siguió adelante con la justificación de la falta de fondos para financiarla.

Ante esta situación, la propia escuela decidió hacer frente al problema contando para ello únicamente con sus propios recursos humanos y materiales. Desde la asignatura de Prefabricación y Elementos Modulares, de la especialidad de Diseño de Interiores, se planteó la ampliación como un ejercicio de curso y, con las propuestas elaboradas, se pidieron presupuestos a diferentes empresas de módulos prefabricados. Fue entonces cuando el equipo directivo, reunido con el profesor responsable de la asignatura, planteó la posibilidad de abordar la ampliación mediante la autoconstrucción. El objetivo era doble: por un lado, ahorrar costes, y por otro, aprovechar la oportunidad para hacer, del hecho de construir, una actividad educativa de la que poder aprender.

Se valoraron “pros” y “contras” de esta opción y se decidió consultar, antes de tomar una decisión, con nuestro estudio, Recetas Urbanas, si estaríamos dispuestos a asumir la dirección del proyecto. La elección no fue casual. Además de nuestra ya dilatada experiencia en autoconstrucción, habíamos colaborado previamente con la Escuela de Arte antes de que ésta se transformase en la Escuela Superior de Diseño.

Nuestra respuesta fue inmediata y nos mostramos muy ilusionados con el proyecto desde un primer momento. En la escuela se constituyó entonces un equipo de profesores encargados de coordinar la actividad junto a nosotros, y nos pusimos manos a la obra.

Pensando el asunto de aquel primer mail en el que informábamos a la comunidad educativa de la decisión adoptada invitando a profesores y alumnos a participar, escribimos la expresión “La Escuela Crece”. Nacía así un proyecto que ha involucrado ya a más de ciento cincuenta personas.

La oportunidad

La ampliación propuesta comprende la construcción de 170 metros cuadrados distribuidos en dos plantas que se apoyan en el edifico existente para ahorrar costes en la estructura. El sistema constructivo elegido parte del empleo de elementos que nosotros mismos prefabricamos y montamos luego por medio de técnicas de montaje “en seco” evitando así el uso de pastas y argamasas, y la necesidad de recurrir a la subcontratación de oficios especializados.

Tanto el sistema estructural como la mayor parte de los materiales empleados son reutilizados.

Es importante señalar en este punto, que el proyecto de la nueva edificación no se plantea a los participantes con un diseño ya cerrado, sino que se ofrece como material de trabajo para ser resuelto a medida que la obra se va ejecutando. El diseño se concibe, por tanto, como un proceso en el que los participantes no son mera mano de obra que “ayuda” o “ejecuta” siguiendo las órdenes de la dirección facultativa sino que comparten junto a esta, con sus decisiones, la responsabilidad sobre lo construido.

La autoconstrucción del nuevo edificio se lleva a cabo por medio de talleres quincenales con una duración media de tres días, en turnos de mañana y tarde para no interferir con la actividad académica. De este modo los alumnos interesados en participar puedan hacerlo sin faltar a clase, dado que en la ESD se ofertan ambos turnos para cursar los estudios de grado de las cuatro especialidades de diseño. Hasta la fecha se han realizado quince talleres.

Esta actividad se ha integrado dentro del Plan de Estudios del Centro y permite a los estudiantes cursar todos, o parte, de los seis ECTS de libre configuración que deben realizar para completar su formación. La asistencia al taller se cuantifica por horas de trabajo y al finalizar el curso académico se certifica el total del tiempo trabajado a aquellos alumnos que lo solicitan.

Se ofrece también al profesorado del Centro la posibilidad de incluir este proyecto en las guías docentes de las diferentes asignaturas generando con ello un escenario de colaboración en el que pueden establecerse diferentes niveles de participación, que van desde el apoyo puntual en tareas concretas como la resolución y/o ejecución de un elemento constructivo, a otras más amplias como el estudio del interiorismo de los espacios de la nueva edificación.

A día de hoy, está prácticamente terminada la planta baja, y prefabricados los elementos de forjado y cerramiento de la planta primera así como la cubierta. Esto lo han hecho posible, como decíamos, más de ciento cincuenta personas.

Por aquí han pasado estudiantes y profesores procedentes de Uruguay, Colombia, Brasil, Escocia, Suiza, Canadá, Estados Unidos, Rusia, Francia, Gran Bretaña, Chile, Venezuela, Italia, Malasia, Polonia, México, Alemania, y China, además de tantas otras ciudades y lugares de nuestro país. De este modo hemos podido conocer, por una parte, los programas y metodologías de la enseñanza del diseño y la arquitectura que se emplean en todos estos lugares del planeta, y por otra, dar a conocer también nuestro proyecto de escuela.

Pero la transferencia de prácticas y conocimientos, (extraordinariamente rica), no ha tenido lugar sólo con otros centros educativos. En la Escuela Crece han participado también miembros de colectivos, asociaciones, y profesionales ajenos al mundo académico, que deseaban colaborar en esta experiencia de trabajo colectivo. Desde equipos que investigan el desarrollo de aplicaciones que faciliten la organización y gestión del trabajo colaborativo, a ingenieros y arquitectos interesados en este “pensar haciendo”, pasando por periodistas, fotógrafos, y editores preocupados por la difusión de este tipo de iniciativas y su réplica en otros lugares.

También hemos contado desde el principio con la implicación en el proyecto del personal no docente del Centro. Su colaboración ha facilitado enormemente la realización de los talleres. La secretaria y administradora ha visto incrementada notablemente su carga de trabajo al tener que asumir la contabilidad de la obra. El personal de limpieza ha colaborado redoblando esfuerzo por mantener en condiciones óptimas la Escuela los días de trabajo, aun en fases tan duras como la excavación de la cimentación; los ordenanzas y el personal de mantenimiento han apoyado la apertura y cierre de puertas, entrega de pedidos, gestión de herramientas, medios auxiliares, etc.

El reto

Resumir en unas pocas líneas una experiencia tan compleja obliga necesariamente a relegar aspectos importantes a un segundo plano, pero no podemos dejar de mencionar aquí, antes de concluir, algunos de ellos.

Proyectarse hacia el futuro con este proyecto de ampliación, ha hecho necesario mirar también al pasado propiciando el reencuentro con nuestra propia historia. Conocer los orígenes del centro, sus cambios y adaptaciones a los diferentes planes educativos, nos han ayudado a entender mejor los problemas de espacio a los que nos enfrentamos y el lugar en el que estamos, el barrio de Madrid donde nos situamos, y su historia. Hemos trabajado juntos durante más de año y medio y lo hemos celebrado creando espacios donde compartir una buena comida y un brindis de satisfacción por lo avanzado.

Se han organizado equipos de trabajo para difundir la experiencia en pasquines, redes sociales, webs, etc.
Ya se ha celebrado un taller de paisajismo para acondicionar el terreno que rodea a la nueva edificación y, en breve, se quiere organizar otro para diseñar y producir el mobiliario con el que dotar los nuevos espacios.

…

Y, lo más importante: hoy podemos decir que la comunidad educativa ha incorporado con naturalidad en su día a día la convivencia con una obra que siente ya como algo suyo, y que ha posibilitado el establecimiento de nuevos vínculos entre sus integrantes más allá del papel que la organización académica, tan rígida y jerárquica, les asigna.

La concreción del nuevo espacio físico de la ampliación ha posibilitado la creación de otro espacio vivencial que, a diferencia del anterior, no tiene una fecha de terminación y podrá continuar generando nuevas oportunidades de aprendizaje en el futuro.

En la Escuela Superior de Diseño construimos nuevos espacios, pero también maneras diferentes de crecer y compartir conocimiento.

Cueva de Luz comprende en 1 000 m² dos naves de cuatro pisos proyectadas en planta libre. Su huella de aproximadamente 250 m² conserva, en el nivel de la rasante, un espacio tipo plazoleta o zona recreativa, que a su vez puede servir como anfiteatro o sala de exposiciones, y áreas administrativas. El segundo, tercer y cuarto niveles contienen espacios para talleres multifuncionales que pueden privatizarse cuando se requieran con divisiones ligeras y paneles acústicos. Entre las 2 naves existe un sistema de rampas y escaleras que sirve como galería, garantizando la accesibilidad universal en todos los niveles.

El Centro de Integración y Cultura de la Carpio nace con el fin de potenciar un espacio para el aprendizaje multi-vía en donde todos los participantes son beneficiarios del proceso: tanto los que aprenden como los que enseñan; los que dan, como los que reciben; los asistentes presenciales como sus familiares directos. Es por ello que un precario en uno de los lugares, supuestamente más “peligrosos” de San José conocido como la “Cueva del Sapo”, se ha transformado en la “Cueva de Luz”, gracias al aporte de todas las personas involucradas dentro y fuera de la comunidad.

Originalmente, como espacio de transformación social, SIFAIS funcionaba en un predio con una bodega que apenas tenía las condiciones mínimas para operar. Es ahí donde Entre Nos Atelier ofrece diseñar nuevos espacios para facilitar el desarrollo de las actividades requeridas, teniendo como base las necesidades de sus usuarios, de la fundación, restricciones del entorno y los limitados recursos disponibles.

Inicialmente se proyecta sobre el predio original, no obstante esto hubiera deshabilitado las actividades existentes por varios meses. En ese sentido, la Fundación SIFAIS en 2013 consigue en comodato otorgado por el IMAS (Instituto Mixto de Ayuda Social) una propiedad adyacente para proyectar una nueva propuesta sin paralizar las actividades que se estaban consolidando. La proyección de espacios fue un proceso de diseño con participación de los actores claves en el proyecto. Las pautas más importantes acotaban restricciones de presupuesto, áreas multifuncionales, y circulaciones eficientes que facilitaran una fluida interacción entre los distintos espacios, niveles y entorno inmediato.

Trabajando sobre el predio cedido en comodato, se proyectan las 2 naves con el espacio de circulación intermedio. Preliminarmente se había contemplado una estructura en concreto y metal originando los primeros esquemas de modulación y organización. Sin embargo las limitaciones de presupuesto requirieron replantear el sistema estructural, que hasta el momento solo alcanzaba para construir la estructura primaria sin cerramientos básicos. En ese sentido, surge la madera como una alternativa constructiva para que con el mismo presupuesto se pudiera completar la totalidad del proyecto.

Gracias al apoyo técnico del Grupo Xilo, liderado por el Ingeniero Juan Tuk y el arquitecto Adolfo Mejía, se replantea la obra. En el cambio se pasó de un sistema de losas y columnas en concreto hacia un sistema de marcos portantes arriostrados y repetidos en serie cada 80 centímetros. Los marcos redujeron la carga total del proyecto otorgándole la elasticidad necesaria para soportar su uso, resistencia sísmica y contra incendios. Adicionalmente la madera aporta su cualidad acogedora en los espacios, en donde los nudos entre vigas y columnas, de madera laminada, no requieren de costosos herrajes metálicos ni pernos, sino más bien de un sistema de tornillería especializada para madera. Todo lo expuesto permite el desafío de sentar un precedente en la construcción de edificaciones verticales en madera laminada. Es decir un edificio con tecnología de punta, único en la región ubicada en un sector marginal de la ciudad.

Dentro de las cualidades espaciales del proyecto destaca un recinto de transición, tipo atrio, entre los 2 cuerpos principales, conteniendo las circulaciones y facilitando la iluminación natural. La envolvente vertical perimetral de las naves toma como partido el sistema de columnas seriadas para incorporar, entre ellas, una serie de ventilas, tipo rejillas en madera y paneles abatibles, que faciliten el ingreso de las brisas e iluminación natural, requeridas en áreas de alto tránsito, usos y actividades. También, de manera complementaria, se incorporan una serie de cerramientos en malla de hierro galvanizado, sin obstaculizar la porosidad de la envolvente, brindando la seguridad necesaria. La malla es ampliamente explorada en distintas soluciones funcionales y formales del edificio, dada su versatilidad, fácil instalación y costo accesible.

El proyecto debido a su verticalidad, conforme se recorre, revela gradualmente una serie de vistas y encuadres del entorno inmediato; como una especie de mirador que revaloriza su contexto y sirve como catalizador hacia nuevas alternativas y experiencias de empoderamiento espacial en el sitio. La obra, además, tiene la particularidad de poder trasladarse íntegramente, ya que sus partes están atornilladas, pudiendo extraerse de la estructura de madera y dejar los elementos intactos para volver a ser ensamblados en otro lugar.

El tema de reutilización de la obra, ante cambios de uso o reconfiguración urbana, es un aporte muy importante a los principios de sostenibilidad que maneja el proyecto. El secuestro de CO2 de la atmósfera es otro factor muy relevante en la construcción. En este edificio se utilizaron solamente 56 000 kg de madera preservada en la estructura primaria, extrayendo un equivalente de 224 000 toneladas de dióxido de carbono, principal actor en el cambio climático global. Otra característica de la obra radica en el menor impacto en el ambiente, al no requerir de complejos sistemas de elevación de piezas, y en transporte idóneo dentro de un entorno urbano desordenado y caótico, que no permitía el paso de camiones pesados o de gran dimensión.

Cueva de Luz es un proyecto que cuestiona los límites del desarrollo urbano en nuestras ciudades. Es un reflejo de que el empoderamiento ciudadano y la suma de voluntades públicas y privadas, pueden ir más allá de las restricciones preestablecidas por los “códigos” de desarrollo, que muchas veces contradicen el sentido común y las aspiraciones comunitarias. Es un proyecto que propone la construcción social del hábitat desde una escala viable, manejable y accesible dentro de la complejidad de la cuidad. Como acupuntura urbana evidencia un proceso de apropiación de los usuarios; el proyecto aún no se había terminado y ya estaba siendo utilizado cuando las condiciones de obra lo permitían. Aunado a la titánica labor de la fundación SIFAIS para recaudar recursos, también representó un reto para Entre Nos, el gestionar la donación del diseño de ingenierías, materiales y soluciones técnicas. El proyecto ha desencadenado una serie de iniciativas e intervenciones colaterales que están provocando la regeneración urbana desde la raíz de las relaciones humanas y desde una ciudadanía activa.